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je n'avais pas fait attention : o la la le jury du festival : pas un à sauver

sokol a écrit : ↑mar. 12 mai 2026 16:09 je n'avais pas fait attention : o la la le jury du festival : pas un à sauver

Selon la règle, ça peut signifier un très bon palmarès du coup

sokol a écrit : ↑mar. 12 mai 2026 16:09 je n'avais pas fait attention : o la la le jury du festival : pas un à sauver

J’ai appris que Demi Moore était dans le jury avec sa sortie sur l’IA.

Si les autres membres sont de cet acabit (Chloe « Marvel » Zhao je la vois bien penser pareil), effectivement ça risque pas de voler haut…

Et la cérémonie d’ouverture : de loin, la pire que j’aie jamais vue

Tamponn Destartinn a écrit : ↑mar. 12 mai 2026 19:07

Selon la règle, ça peut signifier un très bon palmarès du coup

Quasiment impossible ! Les trois quarts des films en compétition ne me donnent aucune envie. Et puis, quand il y a eu de beaux palmarès, il y avait au moins une personnalité forte. Sauf si Park Chan-wook crée la surprise, on ne sait jamais, effectivement. Mais je ne crois vraiment pas trop

Un fantome utile - Ratchapoom Boonbunchachoke - 2025

Un des axes d'analyses pertinents pour tout film d'épouvante est : qu'y représente la figure du mal, ou "que symbolise-t-elle ?". La question est plus intéressante encore quand il s'agit d'un film de fantôme ou de "hantise", permettant de lire la question de la possession au premier degré : qui (ou quoi) possède qui (ou quoi) ; qui est possédé par qui. C'est sans doute ainsi qu'il faut lire cette histoire d'amour entre un humain et un aspirateur, hanté par le fantôme d'un ouvrier mort à l'usine. Plus intéressant encore, alors que l'histoire commence de la sorte, elle laisse finalement une place centrale à une autre histoire qui s'y enchâsse, celle des patrons de la dite-usine, également aux prises avec une histoire d'amour et d'aspirateur hanté. De la sorte, la première histoire est hanté par la seconde. Le film semble donc nous dire que le rêve des ouvriers est "possédé" par leurs patrons, s'ouvrant de la sorte à une lutte des classes (faisant un clin d’œil à la lutte décolonial) dont la figure du fantôme se drape d'une dimension politique et résistante. Boonbunchachoke construit tout son film comme un emboitement de souvenirs et de rêves se démultipliant les uns dans les autres, sorte de "Inception" thaï, l'humour en plus et le grand spectacle en moins. Si le film aurait pu gagner en clarté et en brièveté, poussant parfois son jeu narratif à ses dernières limites, le discours final, à la portée cathartique et révolutionnaire, reste quant à lui bien visible. Si le film est avant tout une réjouissante curiosité, il est extrèmement plaisant de découvrir un autre versant du cinéma thaï. Si des motifs (les fantômes, les rêves, le sexe, la politique...) y sont communs avec sa figure de proue international, Apichatpong, le traitement en est on ne peut plus différent, et c'est tant mieux !

Dans un meilleur monde, c'est ça la comédie méga populaire qui dépasse aisément le million d'entrées
bon, le film marche bien je crois, mais on parle bcp moins du cinéma de Fabien Gorgeart que celui des Nakache & Toledano, alors que Gorgeart, en trois films, devient l'air de rien un real avec une pate, une sensibilité et un humour qui font mouche à chaque fois. Sans en faire un grand de son temps (n'exagérons rien), il est dans le haut du panier du cinéma francais actuel

My Undesirable Friends : Part 1 - Last air in Moscow - Julia Loktev - 2025

En 1992, le passionnant Vidéogrammes d'une révolution d'Andrei Ujică et Harun Farocki s'intéressait à la chute du rideau de fer sous l'angle de la conquête par les manifestants de la station de télévision nationale roumaine. Le contre-pouvoir avait immédiatement compris l'enjeu des images et leur importance pour exister comme force politique concrète. Si "Vidéogrammes" était "la naissance d'une chaine télévisée", près de 40 ans plus tard, "My Undesirable Friends" en propose l'anti-thèse parfaite : la fermeture d'une chaine tv de contre-pouvoir dans la Russie de Poutine.

Néanmoins si Ujica & Farocki sont inspirés (et eux même penseurs) de la philosophie des techniques et des médias, ce n'est aucunement le cas de Julia Loktev. Ce serait presque l'inverse. Il n'est ici jamais question de la nature des images, de leurs régimes ou de leurs constructions mais de celles et ceux qui les font. Débutant 2 ans avant l'invasion de l'Ukraine par la Russie, et se terminant quelques jours après le début de la guerre, ce documentaire fleuve de plus de 5h, se construit comme un portrait intime d'un groupe de femmes journalistes, toutes (très) jeunes à l'exception de Anna Nemzer, sorte de mentor qui ne dit pas son nom. Si nous passons beaucoup de temps dans la régie de la chaine de télévision nous passons plus de temps encore en voiture et dans les salons et les cuisines de ces jeunes femmes, nous fêtons noël et le nouvel an avec elles, tandis que les menaces - devenant de plus en plus énorme - de leur profession finissent par interférer totalement avec leurs vies quotidiennes, rendant l'un et l'autre indémêlable. Pile de son époque, la réalisatrice est au plus près des corps, des visages et des émotions, enchainant les plans (très) courts, trouvant un style entre le journal filmé et la real-TV. C'est donc bien par l'intimité que la réalisatrice entend aborder les enjeux de pouvoir qui traversent son film.

Mes amis indésirables est ainsi avant tout un film sur le quotidien et sur la façon dont la politique s'y inscrit et s'y radicalise progressivement, d'un côté comme dans l'autre. De l'un, le pouvoir en place, dont la forme autoritaire est déjà présente quand le film s'ouvre et dont la fascisation grandissante n'avance même plus masqué. Et de l'autre la vie de ces jeunes femmes. Le plus surprenant est peut-être que ces personnes ne sont en rien des activistes radicaux, des lecteurs férus de Marx, de fin rhéteurs géopolitique. Tout au contraire, la référence culturelle revenant sans cesse est Harry Potter, les messages instantanés sont ponctués de chatons et quand la guerre éclate les premiers émois semblent aller pour la fermeture de l'Apple Store. Il n'y a d'ailleurs presque jamais ici de débat politique de fond, bien que nous comprenons de façon tout à fait limpide les idées des personnes filmées et de la chaine pour laquelle elles travaillent (contre la corruption, pour la liberté de penser, le droit à manifester, la reconnaissance des minorités sexuelles etc..). C'est par ce contre-pied, en détaillant toute la beauté d'une certaine naïveté, d'une énergie idéaliste qui en naït, d'un engagement qui se construit "à la dure" ou "de fait", que le film dépasse largement son point de départ. Et c'est pour la même raison qu'il raisonne autant avec notre époque, avec nos sociétés gangrenés par les idéaux autoritaires, par la tentation fasciste. Le film de Julia Loktev est un cas pratique de ce à quoi mène un tel système politique. Et, à la fin, c'est la vie qui perd contre le politique, quand la vie est devenue impossible et qu'il ne reste plus que la fuite. La deuxième partie à venir, qui s'intéressera à l'exil des mêmes personnages, qui continuerons, j'imagine, leur combat à distance, promet assurément de complexifier ces enjeux.

Il m'est enfin difficile de ne pas songer à une autre œuvre monumentale paru ces dernières années : Traumazone d'Adam Curtis. Le documentariste anglais a pioché dans les archives de la BBC pour dresser un portrait de la Russie de la fin de l'URSS jusqu'à la nomination de Vladimir Poutine au long d'un montage de 7h (rassurez vous : 7 épisodes d'une heure). Si ces deux films ont peu en commun intellectuellement et émotionnellement, ils placent néanmoins conjointement l'appareil médiatique au cœur de leurs constructions, ce qui est tout sauf anodin. Chacun nous permet de la sorte d'aborder avec des angles complémentaires notre connaissance d'un pays central de la politique internationale au rôle on ne peut plus problématique. Ces oeuvres se révèlent ainsi essentielles pour une compréhension de notre époque, de notre monde et de ses enjeux.

J’ai vu Mon grand et Moi, de Ryota Nakano, avec Hikari Mitsushima, Joe Odagiri ou encore Ko Shibasaki. Ce film raconte l’histoire de Riko, qui apprend le décès de son frère. Elle doit alors se charger de ses obsèques. J’ai aimé l’évolution du regard de Riko sur son frère, qui reste sans concession. Chaque personnage apporte quelque chose à l’histoire, et je n’ai pas vu les 2h défiler. Le film ne tombe jamais dans la mièvrerie, et j’ai apprécié les touches d’humour qui parsèment le récit. Le film sonne juste, et nous interroge sur les liens familiaux, et sur les rancœurs qui peuvent prendre le dessus. Le frère de Riko avait son lot de défaut, mais également un côté très attachant. Il était également intéressant de se confronter au regard sur le deuil dans la culture japonaise. On s’interroge aussi sur nos propres relations familiales, quitte à donner de légers maux de tête ! En bref, J’ai passé un bon moment devant ce film, que je recommande.

Derrière ce titre magnifique et intriguant, prononcé au détour d'une conversation par l'un des personnages, se cache ce qui est peut-être le film le moins "Durassien" de la filmographie de l'autrice. Nous avons ici les corps statiques, l'omniprésence du langage et des non-dits, les ambiances (la boite de nuit fait songer à India Songs), la complexité des existences. Mais derrière la rigueur il y a omniprésence d'humour. Beaucoup. De la dérision, des réparties, des exagérations. On en viendrait presque à se demander ce qui sépare en fait le "théâtre de l'absurde" du "Nouveau Roman", tant semble ici apparaitre des racines communes. Une blessure intime et muette, un désespoir envers l'humanité ? Tout est une question de ton et Duras se permet ici d'explorer une dimension qu'on ne lui connaissait pas (on songe à Akerman ayant elle aussi fait un détour par la comédie avec Un Divan à New-York). Ce qui a pu l'y pousser m'intrigue, tant le tragique du propos reste dominant. Peut-être est-ce parce que c'est le 3ème fois que l'autrice retravaille et réadapte son texte (tout d'abord nouvelle puis pièce de théàtre - que je n'ai ni lu ni vu) qu'elle finit par faire ressortir ces traits ? L'adaptation pour l'écran est en tout cas réussi car, malgré la langueur générale, on ne songe jamais à l'adaptation d'une pièce de théâtre, si ce n'est par l'effet maitrisé du plan final (les personnages disparaissent, la caméra se retire lentement hors de la salle par une porte).



Je me souviens avoir entendu parler de ce film lors de mon adolescence alors que je commençais à m’intéresser un peu à une culture différente, très probablement en regardant l'émission Tracks. Cette même émission citait également Jodorowsky dont j'avais pu voir un film peu de temps après (La Montagne Magique), par le hasard d'une copie restaurée ayant trainé ses guêtres jusqu'à Metz. Si j'ai des années plus tard vu d'autres films de Waters, Pink Flamingos m'avait toujours échappé et j'ai donc assisté avec curiosité à sa projection à la Cinematek de Bruxelles (en enchainement direct après Des journées entières dans les arbres - autant vous dire "même salle, deux ambiances" ). Pink Flamingos est à la fois tout ce que l'on pouvait espérer (ou craindre) et bien plus encore. Il est assez amusant de constater que son retournement total de valeur démarre dès sa structure et son histoire : nous pourrions tout à fait imaginer un film "bien-comme-il-faut" dans lequel deux familles rivales se tirent la bourre pour être "the nicest familly alive" et non comme ici "the filthiest one". 50 ans après sa réalisation, dur de savoir si ce sommet de la provoc ne finit pas d'avantage par tendre vers le "white-trash" que le queer tel que nous le connaissons aujourd'hui. Le débat n'est pas clos.



It Is Not the Homosexual Who Is Perverse, But the Society in Which He Lives - Rosa von Praunheim - 1971

Il semblerait que le cinéaste allemand le plus gay et le plus actif des 70s ne fut pas Fassbinder mais bien Rosa von Praunheim qui revendique plus de 70 films au compteur. Son premier film "It Is Not the Homosexual Who Is Perverse, But the Society in Which He Lives" fera grand bruit à l'époque, tandis que l'homosexualité était encore interdite en Allemagne. Parodiant les films éducatifs, ce moyen-métrage (une heure tout juste) suit l'arrivée d'un jeune homme à Berlin, découvrant sa sexualité et explorant les divers facettes de la vie gay, passant d'un groupe, d'une pratique, d'une classe à l'autre. En voix-off, un commentaire, souvent satirique, alterne entre sociologie, politique et philosophie pour commenter l'action et la mettre en perspective, sans toute fois éviter un aspect quelque peu daté sur certains points (certaines pratiques sexuelles, ou la transsexualité, par exemple). La dernière scène reste assurément la plus marquante, lorsqu'une discussion entre plusieurs hommes se transforme en appel à l'action politique pour la normalisation de l'existence de la communauté gay au sein de la société.

Oula...
Non. Merci, ça ira.

Sur un sujet extrêmement proche du Valeur sentimentale de l'an dernier, Rodrigo Sorogoyen nous pond son plus mauvais film, qui repose sur trois longues scènes clés, avec entre chacune du remplissage très répétitif et chiant, où le cinéaste s'amuse à jouer avec formats d'image et noir & blanc, probablement dans un souci de rendre son film le plus "cinématographique" possible (c'est évidemment l'inverse qui se produit).
Quant aux scènes clés en question : t'as la scène d'intro qui ressemble vraiment bcp bcp à la 1ère confrontation entre le père et sa fille actrice dans Valeur Sentimentale (et la comparaison n'est pas en la faveur de Sorogoyen, alors que je n'aime pas plus que cela l'autre film). La scène d'enchainement de prises ratées qui fait monter la tension sur le tournage, qui est à la fois la meilleure, et en même temps déjà vu plein de fois (genre dans Babylon, où pareil : c'est la meilleure scène du film, ce qui montre bien que c'est presque trop facile...). Et puis la dernière confrontation père/fille, où on se dit enfin les choses et de la même facon, c'est la seconde meilleure scène du film, mais ça vaut pas 2H10 d'attente pour ne parvenir qu'à cela.

C'est trop bête, avec sa série Los Anos Nuevos, je métais mis en tête que Sorogoyen était un excellent metteur en scène des simples rapports humains contemporains, mais pour ça il faut qu'il soit bien accompagné à l'écriture.

Que l'on aime ou non Claire Denis, force est de lui reconnaitre qu'elle fut tout au long de sa carrière une cinéaste de recherche, toujours plus proche de l'essai que de formes de narrations plus classiques. Et ceci depuis son tout début, comme le prouve Chocolat. On sent néanmoins qu'il s'agit de son premier film. L'autrice semble ainsi peut-être encore un peu contrainte par ce qu'on imagine être des enjeux de production. Je pense notamment à certains points de scénario, tel l'arrivée des rescapés du crash d'avion, série de personnages qui, sous couvert d'une certaine "truculence à la française", donnent une impression de maladresse, sans que la réalisatrice ne sache bien quoi en faire. Pour le reste tout est déjà là, dans son rapport au corps et au désir, dans cette violence sourde qui se manifeste tant dans les non-dits que dans les trous volontaires du scénario. Même la question de l'inceste, sujet en arrière-fond de plusieurs de ses films, rode déjà. Ce qui m'impressionne le plus, je crois, est son approche de l'histoire coloniale française, sujet toujours compliqué et qui devait l'être plus encore à la fin des années 80. Et tandis que, par la suite, Denis développera ses obsessions dans des sphères plus intimes elle l'applique ici à une dimension immense, celle du pouvoir politique et de son système, de son rapport au territoire, au corps noir dominé par le regard du colon, à la force masculine malade. L'ambition est démesurée. Le résultat est tout à fait singulier, même si on ne sait pas toujours si les effets de malaisance sont toujours pleinement voulu où lié à une certaine maladresse.




Si chacun des films de Godard pris individuellement est passionnant, j'aime toujours situer ses œuvres dans sa trajectoire globale, au sein de sa carrière, de sa pensée, mais aussi du siècle et de ses techniques. Je reste persuadé que son parcours reste et restera à jamais unique. Cette considération globale lui donne une dimension passionnante. Le Gai Savoir ne manque pas à la règle. Réalisé en 68 (pile avant et après "les évènements" dit la légende), il s'agit du premier film de JLG réalisé pour la télévision. Qui, bien sur, lui refusera sous des prétextes que l'on peut facilement imaginer. Si la décennie suivante est un virage total vers la forme vidéo, collective, mais aussi télévisuelle (ses deux séries formidables "Tour de France" et "Six Fois Deux" - qui elles aussi auront des existences compliquées), "Le Gai Savoir" en est le joyeux laboratoire. Qui continuera à la suivre tout au long de sa vie car l'on trouve ici une somme incessantes d'expérimentations, d'utilisation de found-footage, de rapport au langage comme matière première etc qui apparaitront jusqu'au bout de son œuvre. Il y a néanmoins encore un bon pied dans le cinéma plus "traditionnel" par son jeu avec deux acteurs, minaudant avec quelques accessoires dans un studio tout noir. Mais ce que l'on pourrait dénoncer comme didactique est avant tout extrêmement ludique et nous retrouvons ici alignés ce qui composent parmi les meilleurs assertions de l'auteur. Plus le film avançait plus j'avais l'impression de voir un "Société du Spectacle" (dont la couverture finit d'ailleurs par apparaitre à l'image) en version pop... jusqu'à ce que, vérifiant les dates, je me rende compte que le film de Debord lui était postérieur ! Peut-être n'est-ce qu'un rééquilibrage tant le long écran noir sonore (quasi) final semble regarder dans la direction de "Hurlements en faveur de Sade" du même Debord. Bref, sacré Jean-Luc !




Tajouje - Gadalla Gubara - 1977

Le film s'ouvre et se clôt par la vue d'un immense rocher qui domine le territoire où se déroule l'histoire de Tajouje. Cette masse immense, qui compose régulièrement l'arrière-fond des plans, joue un rôle non négligeable dans l'impression tellurique qui se dégage du film. Il y a quelque chose de profondément terrestre dans cette campagne désertique, dans ces étendues immenses parcourues par des troupeaux infinis, dans ces vent sablonneux qui balaient l'écran. D'ailleurs, ici, quand on veut prédire l'avenir on ne regarde pas les astres mais on fait apparaitre des constellations de coquillages que l'on jette sur le sol. Par son rapport au territoire, aux distances, au temps, aux superstitions, mais aussi à la façon dont sont narrés les histoires, et la simplicité de leurs enjeux narratifs, Tajouje se rapproche d'une forme mythologique. De celle qui définit les racines d'une culture et d'un rapport au monde. Ce n'est ainsi peut-être pas un hasard si Tajouje, premier long-métrage du Soudan, est lui même une adaptation de ce qui est considéré comme le premier roman soudanais. Un rapport aux origines donc, qui, bien que largement hasardeux sur le plan cinématographique, ne manquera pas de charme pour les spectateurices les plus curieux.



Ali au pays des merveilles - Djouhra Abouda et Alain Bonnamy - 1975

Pur cinéma militant, Ali au pays des merveilles se révèle progressivement un peu plus que ce qu'il n'aurait pu être. Né de la réalisation commune entre une musicienne et un architecte, ce film documentant la condition des (ouvriers) algériens en France n'hésite pas à expérimenter sans cesse (par son montage, son rythme, ses surimpressions, son utilisation du son) pour donner une forme aux témoignages de celles et ceux à qui il donne une voix. Si toutes les trouvailles ne se valent pas; l'effet produit demeure fort tout au long de l'heure du film. Tandis que les voix ne se taisent jamais, les images, elles, finissent pas se calmer. Ceci pour mieux nous montrer la misère, celle des bidonvilles et des baraquements de fortunes, dont la vue si rare explose ici aux yeux de toutes et tous. Si le film est un document précieux, donnant à voir et entendre celles et ceux qu'on ne voit jamais, attestant de la misère sur laquelle repose la société française d'après-guerre, il est plus encore un cri de rage et de dégout face à l'Histoire et à ses injustices.

cyborg a écrit : ↑mar. 19 mai 2026 23:44



Si chacun des films de Godard pris individuellement est passionnant, j'aime toujours situer ses œuvres dans sa trajectoire globale, au sein de sa carrière, de sa pensée, mais aussi du siècle et de ses techniques. Je reste persuadé que son parcours reste et restera à jamais unique. Cette considération globale lui donne une dimension passionnante. Le Gai Savoir ne manque pas à la règle. Réalisé en 68 (pile avant et après "les évènements" dit la légende), il s'agit du premier film de JLG réalisé pour la télévision. Qui, bien sur, lui refusera sous des prétextes que l'on peut facilement imaginer. Si la décennie suivante est un virage total vers la forme vidéo, collective, mais aussi télévisuelle (ses deux séries formidables "Tour de France" et "Six Fois Deux" - qui elles aussi auront des existences compliquées), "Le Gai Savoir" en est le joyeux laboratoire. Qui continuera à la suivre tout au long de sa vie car l'on trouve ici une somme incessantes d'expérimentations, d'utilisation de found-footage, de rapport au langage comme matière première etc qui apparaitront jusqu'au bout de son œuvre. Il y a néanmoins encore un bon pied dans le cinéma plus "traditionnel" par son jeu avec deux acteurs, minaudant avec quelques accessoires dans un studio tout noir. Mais ce que l'on pourrait dénoncer comme didactique est avant tout extrêmement ludique et nous retrouvons ici alignés ce qui composent parmi les meilleurs assertions de l'auteur. Plus le film avançait plus j'avais l'impression de voir un "Société du Spectacle" (dont la couverture finit d'ailleurs par apparaitre à l'image) en version pop... jusqu'à ce que, vérifiant les dates, je me rende compte que le film de Debord lui était postérieur ! Peut-être n'est-ce qu'un rééquilibrage tant le long écran noir sonore (quasi) final semble regarder dans la direction de "Hurlements en faveur de Sade" du même Debord. Bref, sacré Jean-Luc !

C’est l’unique moyen/long métrage de Jean-Luc Godard que je n’ai jamais vu ! (Je me demande si je ne le fais pas exprès )

C’est très intéressant, ce que tu écris : j’ai adoré te lire !

Oui, l’écran noir revient beaucoup dans la dernière période de Godard, surtout dans sa dernière fiction, Adieu au langage. Je pense même qu’il y est carrément central : l’écran noir n’est pas simplement une pause ou une transition, il devient presque un langage en soi, ou justement la trace d’un langage qui échoue. Le langage humain étant saturé, usé, incapable de dire pleinement le réel ou l’amour, le noir marque cet échec, comme si les images ne suffisent plus

Salut les amis !



Je l'ai malheureusement vu un soir où j'étais beaucoup trop crevé et j'ai l'impression d'être complètement passé à côté du film. Je le reverrai donc bientôt pour saisir ce film ample et riche à sa juste valeur. Mais en tout cas, ce que j'en ai compris m'a beaucoup plu.



J'ai toujours beaucoup aimé le premier volet, mais plus généralement j'admire le cinéma de David Frankel, qui est un vrai grand cinéaste, l'un des derniers a faire du pur divertissement hollywoodien à l'ancienne mais à le faire bien. Je n'attendais pas du tout cette suite mais c'est un vrai plaisir que de retrouver comédien.nes, personnages et univers, d'autant que Streep et Hathaway sont mes deux comédiennes américaines favorites, donc c'est toujours un plaisir de les voir évoluer ensemble. Ce second volet est une belle réussite, on peine à imaginer comment faire mieux que ça même. Si peut-être : disons que le sujet de ce film ce n'est plus la mode, du tout, c'est devenu un decorum. Le vrai sujet c'est la presse, et la disparition de la liberté d'icelle lorsque des grands groupes rachètent les titres indépendants (ça évoque forcément plein de choses en France). C'est clairement un grand film de presse comme le Hollywood classic en faisait des tonnes (souvent des réussites d'ailleurs) à tel point que c'est quasiment devenu un genre en soi. La mode est reléguée au second plan, c'est plus qu'une histoire de placements produits qui ont du aider à financer le film, mais plus un sujet. Et c'est là que ce situe le seul truc qu'on pourrait reprocher au film : dans les 20 ans qui séparent les deux volets, le milieu de la mode s'est beaucoup dégradé, la fast-fashion a tout salopé, les conditions de travail dans les usines aux 4 coins du monde également, la pollution et le gaspillage de Co² que cette industrie dégage est un véritable problème planétaire, et il est dommage qu'un tel film, avec une répercussion internationale, ne le mentionne même pas. Comme ce n'est plus le sujet, ça ne m'empêche pas d'aimer le film, mais disons qu'une vraie prise de position là-dessus l'aurait rendu encore plus digne et conscient.



Polar tendu autour d'un trafic de drogues dans le milieu des plongeurs sous-marins et d'un couple frère/soeur plein de mystère, par le réal de La Isla Minima, ça faisait plutôt envie, mais le film ne tient malheureusement pas ses promesses. C'est regardable, mais jamais renversant, ni même prenant, tant dans le récit que dans sa mise en scène.



Une histoire d'amour parfaite, idéale, part en couille à cause d'un secret inavouable mais pourtant révélé par la jeune femme du couple à son conjoint. C'est un film à la forme étrange, un peu racoleuse, tape-à-l'oeil, mal aimable même si assez originale en même temps, qui apparait assez superficielle dans un premier temps mais qui finit par interpeller, voire marquer, au moins en partie, et c'est déjà ça.



Le quotidien d'une jeune femme loseuse, joueuse, fouteuse de merde au franc parler hilarant, qui a force de malchance finit SDF. Enorme coup de coeur et grosse découverte que ce Aimer Perdre, film qui ressemble à un single de punk, qui bouscule l'ordre établi du cinéma francophone (c'est un film belge) avec une joie et une énergie communicative, et une actrice totalement hallucinante. Y a longtemps que je n'avais pas autant ri devant un film ni que je m'étais senti aussi vivant, tant ce film propose systématiquement quelque chose qu'on ne s'attend pas à voir.



Je vais tâcher de rester sobre car beaucoup de gens bien, que j'estime, dont plusieurs vont ici me lire, adorent Kechiche et ont aimé ce film, que je découvrais pourtant avec envie, mais je ne comprend sincèrement pas comment on peut défendre ce que je considère vraiment comme un nanar ridicule et approximatif. Autant je trouvais quelques qualités sincères au premier volet, je ne fais pas partie des quelques happy few qui ont pu voir Intermezzo, mais franchement celui-ci, c'était limite coussin de la honte du premier au dernier plan. Je ne vois strictement rien à sauver, tout sonne faux, le scénario mon dieu (le jeune gars du sud de la France qui écrit un scénar et flash immédiat d'un producteur hollywoodien qui veut de suite le produire et faire jouer sa star de femme dedans, Oh My Fucking God !!!), d'un ridicule confondant, et même la mise en scène ne m'a semblé qu'un ramassis de clichés de ce qu'on a nommé beaucoup trop vite le style Kechiche. Et cette fin, qui n'en est pas une, semble appelé un nouveau volet (alors que je crois que non) et qui en soi ne clôt pas du tout l'ensemble... Oh mon dieu... Je serai tombé dessus par hasard sans savoir de quoi il s'agissait j'aurais parier que c'était un cross over entre Plus Belle la Vie et un Max Pécas.



Jeff Tuche devient Président de la République et c'est toute la nation qui vacille. Franchement, ce film est de loin le plus réussi de la série, mais c'est un film hilarant et excellent, dont l'humour absurde, outre le fait qu'il fait penser aux plus grands du genre (Luc Moullet en tête), est aussi hallucinamment habile d'un point de vue politique, car en mettant à la tête du pays un crétin fini mais pas sans jugeote (certes absurde elle aussi) propose un regard critique et acide sur la façon dont le peuple est gouverné. On dit toujours que les Tuche est une série de merde pour crétins s'abrutissant devant Tf1 mais je pense tout le contraire, en tout cas de ce film-là, qui est tout aussi drôle qu'intelligent.



Une jeune femme normande débarque à Paris pour suivre des épreuves de natation aux JO de l'été 2024, notamment suivre la nageuse Béryl Gastaldello qu'elle admire. Mais de déconvenue en déconvenue, elle ne va pas pouvoir assister aux épreuves, se fait virer de l'auberge de jeunesse où elle souhaitait résider, retrouve une demi soeur qu'elle n'avait pas vue depuis 10 ans mais avec qui cela finit par ne pas se passer aussi bien que c'était prévu, puis finit par errer seule dans Paris, ville qu'elle ne connait pas et qui est beaucoup trop grande pour elle et qui l'effraie. L'envie de rentrer chez elle est forte, mais l'errance nocturne lui fait rencontrer quelqu'un. Elle pourrait tomber amoureuse, mais se l'autorisera-t-elle ? Magnifique film d'une jeune réalisatrice que je découvre ici, inspirée par Rohmer mais aussi par des cinéastes plus récents comme Mickaël Hers, qui pratique une mise en scène de la douceur, et qui offre un sublime portrait de femme du 21ème siècle, plein de tristesse douce et de non-dits, mais aussi un magnifique portrait de son époque. Sa comédienne est aussi étonnante et juste qu'elle semble peu sûre d'elle et ce mélange crée un personnage qui semble exister vraiment, d'autant qu'à l'instar d'un film comme La Fille du 14 Juillet, l'héroïne est vraiment filmée au beau milieu des vrais Jeux Olympiques parisiens. Bref, une cinéaste à suivre !



Ce film, qui tire son nom d'une carte postale que le critique Serge Daney avait envoyée à João César Monteiro sur laquelle il avait écrit "J'ai rêvé que John Wayne jouait merveilleusement du bassin au Pôle Nord", est sans aucun doute le plus étrange, le plus mal aimable et le plus mal alambiqué des films de son auteur. Il ressemble presque à un film suicide dans lequel le cinéaste, qui a l'époque venait de se faire larguer par sa femme et se transformait, selon ses dires, en tonneau à whisky, prend un malin plaisir à détruire systématiquement tout ce qu'il essaie de mettre en place. En reste quelques fulgurances, quelques beaux plans, quelques provocations outrancières, mais le film en soi n'est véritablement intéressant que remis en place dans la perspective de l'oeuvre globale.



Je ne perds pas de temps à mal repitcher le film. Soit vous l'avez vu, soit vous avez lu dessus, soit vous irez le voir. Mais sachez que c'est une très grande réussite à tout niveau. On peut parler d'un film enchanté et enchanteur, d'une beauté et d'une grandeur d'âme immenses. Scénario d'une intelligence et d'une complexité incroyable, mais si intelligent qu'il apparait limpide une fois mise en scène avec générosité et flamboyance. Que dire des 4 comédiens qui sont exceptionnels, Lellouche dans l'un de ses plus beaux rôles prouve qu'il peut aussi jouer l'émotion, Marmaï est génial de chaque plan, Pons passe enfin à l'âge adulte de son jeu et n'a jamais été aussi émouvante, quand à Anaïs Demoustier que j'aime d'amour depuis son premier rôle chez Isabelle Czajka, c'est juste la meilleure comédienne française, elle irradie tout sur son passage, et le titre du film la définie mieux que quiconque. Ce film se présente comme une comédie virevoltante à la Rappeneau, et en est à la hauteur, mais il est bien plus profond que ça et empreint également d'un vrai sens de la tragédie. Le vrai sujet du film en étant le Cinéma, car Salvadori ne nous dit rien d'autre que ça : le cinéma est plus fort que la vie, le cinéma peut redonner vie aux morts, peut faire les gens s'aimer, peut les faire changer à tout jamais. Ce film est une profonde et sincère croyance au cinéma.



Deuxième collaboration de suite entre l'immense Jessica Chastain et le cinéaste Michel Franco (c'est d'ailleurs les deux seuls films du cinéaste que j'ai vus à ce jour) et c'est vrai qu'elle semble lui faire tellement confiance qu'elle se livre totalement, n'hésitant pas à se mettre en danger à un point que quasiment aucune grande actrice hollywoodienne ne le fait. C'est vraiment elle qui tient le film et qui en est son centre gravitationnel. Le film est intéressant, la mise en scène de Franco a ses défauts, elle est souvent trop froide et loin de ses personnages, et d'un coup se fait trop choc, ici c'est dans les scènes de cul, parlées ou en actes, comme s'il voulait choquer le bourgeois à tout prix, et ce côté chaud / froid, tellement typique du cinéma d'auteur cannois international contemporain est un peu fatiguant car tellement attendu... Cependant le film présente plein de belles choses, dont ce rapport de domination inversé qui est vraiment le bienvenu, ainsi qu'une réflexion sur la question des migrants (qu'est-ce que c'est qu'être un migrant quand on regarde ça de l'autre côté ?) qui est vraiment fort, tout comme la fin, très réussie, qui montre malheureusement que même chez les plus convaincus, certaines frontières resteront toujours infranchissables.

Et sinon @groil_groil , tu as aimé le Rdv de l'été ?

cyborg a écrit : ↑mer. 20 mai 2026 16:37 Et sinon @groil_groil , tu as aimé le Rdv de l'été ?

ben oui je viens de l'écrire, j'ai adoré, pourquoi chouchou ?

cyborg a écrit : ↑mer. 20 mai 2026 16:37 Et sinon @groil_groil , tu as aimé le Rdv de l'été ?

ah purée une partie de mon texte a sauté, merci.

J'aurai aimé en dire autant de bien que Groil, mais malgré l'indéniable savoir-faire des talents en présence, je suis resté majoritairement à distance.
Je crois que c'est parce que je ne crois pas aux histoires d'amour du film. Enfin si, il y a un coup de foudre, un couple qui fonctionne : Marmaï et Pons. Ce qui fait que les flash back sur leur relation est sûrement ce que je préfère de loin dans le film. Le gag étant qu'on nous présente cela comme le "mauvais" couple infine, chacun tombant amoureux de quelqu'un d'autre, sauf que dans les deux cas, ça m'a semblé très factice. On nous dit "maintenant celui-ci/celle-là est amoureux de celle-là/celui-ci" de façon plaqué, sans jamais nous l'avoir fait vraiment ressentir. Et comme c'est le coeur du film, ça pose problème.
Je bloque là dessus, mais c'est parce que je cherche moi même encore à comprendre pourquoi le film ne fonctionne qu'à moitié sur moi, et à ce stade je ne vois que cela.

Tamponn Destartinn a écrit : ↑mer. 20 mai 2026 21:14 ça m'a semblé très factice.

Je trouve que pas mal de trucs sonnent faux en plus de ces aspects de scénario plaqués. Ca commence par le plan moche en effets spéciaux du Paris d'époque, et ça passe par le cast masculin que je trouve complètement raté (Marmai dans En liberté oui, mais là en peintre ?!, Kervern encore pire, ok en concierge dans Dans la cour, mais là c'est la cata), et par tout un tas de détails sur lesquels on met de l'importance mais qui semblent complètement farfelus (le fait que Suzanne mette/enlève les lentilles à chaque 'transe' sans que l'autre capte quoi que ce soit, qu'elle pique les journaux d'Irène un par un etc...)
J'ai beau remettre ça en perspective avec une mise en scène qui adopterait un style forain, et donc de la tromperie, du jeu, du théâtre et de l'artificialité; ma suspension d'incrédulité est quand même mise à rude épreuve.

Franco Brusati est un cinéaste italien assez oublié (du moins en France), et Pain et Chocolat doit être son seul film qui évoque encore quelque chose quand on cite son nom, même si en ce qui me concerne je le découvrais hier soir. Et c'est sans doute grâce à la présence de Nino Manfredi en tête d'affiche, et je crois également dans la production, star immense et l'un des plus grands acteurs de sa génération (on note aussi la présence inattendue d'Anna Karina. L'originalité du film est qu'il se déroule quasi intégralement en Suisse alémanique, et Manfredi joue un immigré italien survivant de petit boulot en petit boulot et souffrant pas mal du racisme ambiant. Un riche industriel, lui aussi d'origine italienne, s'entiche de lui et souhaite le sortir de la précarité mais il meurt d'une crise cardiaque après qu'il lui a confié toutes ses économies et il se retrouve à la rue et dans la clandestinité. La fin du film en dit beaucoup sur la difficulté de vivre en Italie dans les 70's puisqu'alors qu'il est attrapé par la police et mis dans un train pour rejoindre l'Italie, notre héros préfère en descendre sous un tunnel pour clandestinement de nouveau retourner en Suisse, où sa vie n'est pourtant pas des plus reluisantes. Le film, qui repose beaucoup sur les épaules de Manfredi, est très réussi dans sa première partie, mais s'essouffle progressivement pour laisser in fine un sentiment de confusion et de cacophonie sans doute généré par une mise en scène pas suffisamment sûre d'elle. Pain et Chocolat reste une belle curiosité de son temps, à ranger aux côtés des films d'Ettore Scola de l'époque.

yhi a écrit : ↑jeu. 21 mai 2026 00:02

Tamponn Destartinn a écrit : ↑mer. 20 mai 2026 21:14 ça m'a semblé très factice.

Je trouve que pas mal de trucs sonnent faux en plus de ces aspects de scénario plaqués. Ca commence par le plan moche en effets spéciaux du Paris d'époque, et ça passe par le cast masculin que je trouve complètement raté (Marmai dans En liberté oui, mais là en peintre ?!, Kervern encore pire, ok en concierge dans Dans la cour, mais là c'est la cata), et par tout un tas de détails sur lesquels on met de l'importance mais qui semblent complètement farfelus (le fait que Suzanne mette/enlève les lentilles à chaque 'transe' sans que l'autre capte quoi que ce soit, qu'elle pique les journaux d'Irène un par un etc...)
J'ai beau remettre ça en perspective avec une mise en scène qui adopterait un style forain, et donc de la tromperie, du jeu, du théâtre et de l'artificialité; ma suspension d'incrédulité est quand même mise à rude épreuve.

Je ne rejoins pas totalement sur le cast masculin, tout le monde me semble à sa place, par contre c'est vrai que la direction d'acteurs est très dans la comédie de boulevard, poussant au jeu outrancier, et participant donc bien à cette impression globale de "sonner faux".
Seule Pons arrive à éviter de jouer ainsi, le rôle doit aider, car moins dans la comédie du quiproquo. Et Lellouche bizarrement sait s'en extraire aussi sur certaines scènes précises.

Ce soir, Andreï Zviaguintsev aura probablement la Palme d’or tant espérée.
Dans une interview au Monde, il se vante que Minotaure, son film, n’a jamais été vu par qui que ce soit avant sa projection officielle à Cannes, le 18 mai. Pourtant, lorsque Thierry Frémaux dévoilait la sélection officielle, le 9 avril, il expliquait que 2541 longs-métrages avaient été soumis au plus grand festival de cinéma du monde. Sauf celui de Zviaguintsev, alors ! Mais passons, on ne va pas faire du chichi.

Je n’ai pas encore vu le film (il y a d’ailleurs de fortes chances qu’il ne me plaise pas) mais dans cette interview, même s’il se dit exilé de Russie et opposé à la guerre, il passe son temps à insister sur le fait qu’il est russe ! https://www.lemonde.fr/m-le-mag/article ... ce=default

Le film, tourné en Lettonie, est un thriller intime sur un couple russe, avec la guerre en Ukraine en toile de fond : les Russes sont filmé comme des victimes du poutinisme, les plaçant ainsi au même rang de victimes que les Ukrainiens (alors que ce sont quand même les Russes qui tuent les Ukrainiens !).

Il se proclame pacifiste et apolitique dans son interview, en divisant les gens entre ceux qui veulent la confrontation et ceux qui veulent la paix, alors qu’en réalité la ligne de fracture passe plutôt entre ceux qui veulent reconnaître les crimes et demander pardon, et ceux qui s’y refusent.

En tout cas, tous ses films précédents avaient des relents grand-russes. Tous, car je les ai tous vus à leur sortie. Je ne m’attends pas à mieux cette fois-ci. Pourtant, je suis convaincu qu’il aura la Palme d’Or.

Et pour conclure, j’ai envie de dire ceci : le jour où un grand artiste russe dira « Je suis ukrainien » ( à la manière du « Je suis Charlie » ou du « Ich bin ein Berliner » ), il y a de fortes chances que son film me plaise.

Mais apparement, hélas, ce n’est pas pour demain…

sokol a écrit : ↑sam. 23 mai 2026 03:58 Ce soir, Andreï Zviaguintsev aura probablement la Palme d’or tant espérée.
Dans une interview au Monde, il se vante que Minotaure, son film, n’a jamais été vu par qui que ce soit avant sa projection officielle à Cannes, le 18 mai. Pourtant, lorsque Thierry Frémaux dévoilait la sélection officielle, le 9 avril, il expliquait que 2541 longs-métrages avaient été soumis au plus grand festival de cinéma du monde. Sauf celui de Zviaguintsev, alors ! Mais passons, on ne va pas faire du chichi.

Je n’ai pas encore vu le film (il y a d’ailleurs de fortes chances qu’il ne me plaise pas) mais dans cette interview, même s’il se dit exilé de Russie et opposé à la guerre, il passe son temps à insister sur le fait qu’il est russe ! https://www.lemonde.fr/m-le-mag/article ... ce=default

Le film, tourné en Lettonie, est un thriller intime sur un couple russe, avec la guerre en Ukraine en toile de fond : les Russes sont filmé comme des victimes du poutinisme, les plaçant ainsi au même rang de victimes que les Ukrainiens (alors que ce sont quand même les Russes qui tuent les Ukrainiens !).

Il se proclame pacifiste et apolitique dans son interview, en divisant les gens entre ceux qui veulent la confrontation et ceux qui veulent la paix, alors qu’en réalité la ligne de fracture passe plutôt entre ceux qui veulent reconnaître les crimes et demander pardon, et ceux qui s’y refusent.

En tout cas, tous ses films précédents avaient des relents grand-russes. Tous, car je les ai tous vus à leur sortie. Je ne m’attends pas à mieux cette fois-ci. Pourtant, je suis convaincu qu’il aura la Palme d’Or.

Et pour conclure, j’ai envie de dire ceci : le jour où un grand artiste russe dira « Je suis ukrainien » ( à la manière du « Je suis Charlie » ou du « Ich bin ein Berliner » ), il y a de fortes chances que son film me plaise.

Mais apparement, hélas, ce n’est pas pour demain…

Pas sûr qu’ils donnent la palme à un remake (quoique certainement éloigné du film de Chabrol).
À mon avis, la palme ira à un thriller ou à un film un peu plus « primitif », où l’émotion passe plus par les figures, la violence et le mythe que le verbe, puisque le jury va devoir composer avec un président qui aurait vu tous les films sauf un ou deux avec un traducteur lui soufflant au fur et à mesure les dialogues (dixit les Inrocks). Mais le jury (Chloé Zhao and co) devrait quand même obtenir quelques prix de considération pour certains films avec un petit capital politique.

Mais ce n’est que spéculation

Moi je mise aussi sur Minotaure palme d'or

Park Chan Wook m'a l'air du genre "respect des anciens", je ne le vois pas du tout récompenser un.e jeune cinéaste, à la plus petite carrière que lui.
Genre le Emmanuel Marre j'y crois zéro !
Zviaguintsev est le seul vieux cinéaste (de plus de 60 ans en tout cas) dans les films préférés des retours cannois. Donc il est taillé pour ce prix, selon ma théorie.

A moins qu'il aille jusqu'à la donner à Almodovar, plus pour l'ensemble de son oeuvre, comme le Lion d'or la dernière fois

Tamponn Destartinn a écrit : ↑sam. 23 mai 2026 14:14 Moi je mise aussi sur Minotaure palme d'or

Park Chan Wook m'a l'air du genre "respect des anciens", je ne le vois pas du tout récompenser un.e jeune cinéaste, à la plus petite carrière que lui.
Genre le Emmanuel Marre j'y crois zéro !
Zviaguintsev est le seul vieux cinéaste (de plus de 60 ans en tout cas) dans les films préférés des retours cannois. Donc il est taillé pour ce prix, selon ma théorie.

A moins qu'il aille jusqu'à la donner à Almodovar, plus pour l'ensemble de son oeuvre, comme le Lion d'or la dernière fois

ceci dit, j'oublie James Gray, qui coche les mêmes cases
mais je reste sur Minotaure

Je mise sur le Na Hong-Jin perso.

Mr-Orange a écrit : ↑sam. 23 mai 2026 10:10 puisque le jury va devoir composer avec un président qui aurait vu tous les films sauf un ou deux avec un traducteur lui soufflant au fur et à mesure les dialogues (dixit les Inrocks).

Ça alors !! Donc Park ne comprend pas du tout du tout l’anglais ?? Même à l’écrit ??

Tamponn Destartinn a écrit : ↑sam. 23 mai 2026 14:14
A moins qu'il aille jusqu'à la donner à Almodovar, plus pour l'ensemble de son oeuvre, comme le Lion d'or la dernière fois

C’est ma deuxième hypothèse également !!

Kahled a écrit : ↑sam. 23 mai 2026 14:36 Je mise sur le Na Hong-Jin perso.

Je ne crois pas (ça aurait été « trop facile »).

Qu’une Américaine donne la Palme d’or à un Américain (Sean Baker pour Anora), ça passe (les États-Unis restant LE pays du cinéma, du moins en tant que cliché). Et puis, une femme, ça se contredit moins facilement.

Mais qu’un jury composé pour moitié de femmes accepte qu’un homme coréen décerne la Palme d’or à un autre homme coréen ? Peu probable…

sokol a écrit : ↑sam. 23 mai 2026 16:13 Ça alors !! Donc Park ne comprend pas du tout du tout l’anglais ?? Même à l’écrit ??

Si c'est le cas, je trouve ça fou, sachant qu'il a tourné un film anglophone

Au final, un palmarès très kusturicien (Cannes 2005), copain comme cochon avec Jarmusch, à qui il voulait décerner la Palme pour son « Broken Flowers » (Grand Prix finalement). Au final, c’était rebelote pour les Dardenne (deuxième palme pas vraiment méritée, contrairement au splendide « Rosetta »), tout comme pour Mungiu (probablement, film moyen) sans doute faute de consensus.

Mais qui était l’Agnès Varda du jury 2026, alors ? (Elle avait tenu tête à Kusturica en menaçant de quitter le jury publiquement, d’où des prix assez bidon parce que « consensuels ».)

Ou alors, il y a eu plusieurs Varda ?

Et allez ! Il rejoint la liste des cinéastes ayant 2 palmes d’or.

Franchement, ce festival (re)devient sacrément ronflant.

Kahled a écrit : ↑dim. 24 mai 2026 10:41 Et allez ! Il rejoint la liste des cinéastes ayant 2 palmes d’or.

Franchement, ce festival (re)devient sacrément ronflant.

Mungiu c’est très simple :

c’est pour le meilleur (lorsqu’il traite des sujets socio-politico-économique, cela donne des chef d’œuvres) :





ou pour le pire : dés qu’il s’agit de sujet métaphysico-existencielo-théologique, ça se gâte (le scénario prend le dessus, la mise en scène devient lourdingue et ça donne des Palme d’or) :

sokol a écrit : ↑dim. 24 mai 2026 14:51

Kahled a écrit : ↑dim. 24 mai 2026 10:41 Et allez ! Il rejoint la liste des cinéastes ayant 2 palmes d’or.

Franchement, ce festival (re)devient sacrément ronflant.

Mungiu c’est très simple :

c’est pour le meilleur (lorsqu’il traite des sujets socio-politico-économique, cela donne des chef d’œuvres) :





ou pour le pire : dés qu’il s’agit de sujet métaphysico-existencielo-théologique, ça se gâte (le scénario prend le dessus, la mise en scène devient lourdingue et ça donne des Palme d’or) :

Attends peut être de voir le film, avant de le mettre du mauvais côté de la barrière, non ?
Sinon, pas compris la comparaison avec Kusturika, vu que le copain de la sélection du président du jury cette année, c'était Hope, et il est nulle part dans le palmarès. Au contraire, le mec a clairement voulu éviter tout soupçon de copinage.

Tamponn Destartinn a écrit : ↑dim. 24 mai 2026 15:35


Attends peut être de voir le film, avant de le mettre du mauvais côté de la barrière, non ?

J’étais très déçu en apprenant le sujet du film…

Tamponn Destartinn a écrit : ↑dim. 24 mai 2026 15:35 Sinon, pas compris la comparaison avec Kusturika, vu que le copain de la sélection du président du jury cette année, c'était Hope, et il est nulle part dans le palmarès. Au contraire, le mec a clairement voulu éviter tout soupçon de copinage.

Oui, ce n’est pas la même situation (et puis, qu’est-ce qu’on sait ? Peut-être qu’il n’est pas du tout copain avec son compatriote, le réalisateur de Hope ?!).

La comparaison, c’était juste pour dire que la Palme donnait l’impression d’une bonne engueulade entre le président et les membres du jury (on peut supposer qu’ils voulaient donner la Palme à Zviaguintsev, mais que c’est Park qui s’y est opposé). Par contre, effectivement, on ne sait pas quel était son favori, ni même s’il en avait un.

En tout cas, tout comme L’Enfant en 2005, personne n’avait vu arriver Fjord comme Palme d’Or. Il se peut d’ailleurs que ce soit le film qui ait obtenu le plus de points auprès de l’ensemble du jury, tout en n’étant le favori d’aucun des juges.

sokol a écrit : ↑dim. 24 mai 2026 16:39 (et puis, qu’est-ce qu’on sait ? Peut-être qu’il n’est pas du tout copain avec son compatriote, le réalisateur de Hope ?!).

Apparemment si.
Quelqu'un qui a priori sait de quoi il parle m'a confirmé qu'ils étaient proches.

Je considère Hamaguchi comme mon réalisateur en activité préféré depuis Senses, qui avait fini 1er de mon top son année de sortie. Puis, un an après, Asako aussi avait fini premier. Tous ses autres films depuis sont dans mon top 10 de leur année de sortie, mais pas en première place. Signe que c'est toujours génial et qu'il n'a raté aucun film, certes, mais que tout de même, il perd aussi de la force de ses débuts ?...
Soudain : Soudain. Je ne sais pas si je le préfère à Senses ou Asako, on s'en fout, mais je serais très étonné qu'il ne soit pas premier de mon top à la fin de 2026.

Comme souvent avec Hamaguchi, tout part d'une rencontre. Cette fois, on est vraiment de l'ordre du coup de foudre, mais amical ou du moins platonique. Deux femmes qui vont chacune beaucoup apporter à l'autre. Il est important de rappeler que le film suit Le Mal n'existe pas, qui se concluait sur une impossibilité de dialogue : la violence comme seule rempart contre le capitalisme, représenté par un homme qui n'en était que son larbin. Hamaguchi en prend le contrepied avec Soudain. Il nous montre une femme qui cherche à humaniser les soins en Ephad, mais qui est au bord du burn out et qui perd patience avec ses collègues en désaccord sur ses priorités. Elle pourrait finir comme le héros du Mal n'existe pas quand, soudain, une rencontre l'apaise et l'amène à trouver une nouvelle voie, loin de toute violence, sans pour autant oublier que l'ennemi est le capitalisme et qu'il faut juste le combattre avec une meilleure stratégie que celle du désespoir.
C'est un film d'une immense humanité, un humanisme réel dans le sens qui ne tombe jamais dans le paraitre (grâce son anti-capitalisme frontal notamment)
Je pense que son précédent film qui lui ressemble le plus est Drive my car, mais en mieux. Notons donc qu'Hamaguchi réussit l'exploit de s'améliorer en faisant un film français en France, là où tant d'autres s'y sont plantés.
Virginie Efira et Tao Okamoto sont toutes les deux formidables (tout le casting l'est), elles méritent leur prix sans problème, même si à mon avis il aurait fallu lui donner la palme, point. Mais qu'importe.




Je n'ai pas lu la BD dont est adapté le film. Je le regrette, c'est toujours intéressant à comparer, surtout quand l'auteur des deux est le même.
Quoiqu'il en soit, Harari nous raconte une simple histoire de body swap, où un certain David se retrouve bloqué dans le corps de Léa Seydoux (oh noooon ).
La première partie du film nous montre son enquête pour comprendre ce qui lui arrive. Puis, le film change. Pas de beaucoup. On reste très terre à terre, on n'est pas du tout dans un cinéma expérimental dont le récit devient abstrait, comme La bête de Bonnelo par exemple. Mais disons que l'enjeu du personnage change. Je mets en spoiler pour pas gâcher : l'enquête se conclut assez vite sur une impossibilité de revenir en arrière. Ce qui lui arrive le dépasse trop, il doit juste apprendre à se faire une raison et à accepter sa nouvelle vie, point. Et cela est la qualité première du film : le récit en devient profondément mélancolique et bien plus fascinant. Il est juste dommage que le cinéaste ait visiblement eu peur de sa propre création, ce qui amène une conclusion timide, qui bégaie et ne tranche rien. La déception est là, mais le voyage en lui même était suffisamment marquant pour lui pardonner.
Seydoux est géniale, comme d'habitude. J'ai bien aimé le fait qu'elle tourne ce film juste après son accouchement, et donc avant de perdre ses kilos de grossesse, pour un rôle aussi corporel. C'est bête à dire, mais ça donne un rendu plus intéressant que si elle avait eu son physique classique parfait.
Notons aussi que Neil Schneider, qui m'indifférait jusqu'alors, est lui aussi formidable. Pas loin de penser qu'il fait la meilleure performance de tout le film.

“Je veux que mon film donne une claque au spectateur. C’est ça l’art”

Je le cite

Tamponn Destartinn a écrit : ↑lun. 25 mai 2026 12:05
Signe que c'est toujours génial et qu'il n'a raté aucun film, certes, mais que tout de même, il perd aussi de la force de ses débuts ?...
Soudain : Soudain. Je ne sais pas si je le préfère à Senses ou Asako, on s'en fout, mais je serais très étonné qu'il ne soit pas premier de mon top à la fin de 2026.

Je l’ai revu, Asako. Rien d’extraordinaire.

Par contre, j’ai vu trois fois “Le mal n’existe pas” et, même si je suis mortellement fan de “Happy Hour” (Happī Awā — le vrai titre en engrish : https://fr.wikipedia.org/wiki/Engrish), je pense qu’il atteint là le sommet de sa filmographie. Politiquement parlant (et donc cinématographiquement) je ne sais pas s’il pourra dépasser “Le mal n’existe pas”. Et si c’est le cas, il s’agira définitivement d’un cinéaste hors pair, peut-être même du plus grand de son époque, place qu’occupe déjà, à mes yeux, le Roumain Radu Jude.

PS : J’ai rêvé hier soir que j’étais devant un guichet de cinéma et qu’on ne me laissait pas entrer pour voir son nouveau film

PS1: j’ai demandé à deux ou trois Japonais, au Japon, s’ils connaissaient Ryusuke Hamaguchi. Aucun ne voyait. Puis j’ai dit « Do-ra-i-vé maï Kā » (Drive My Car), et là, ça a marché

PS2 : en engrish, une carte bancaire (credit card) s’appelle « kadō » (« kad » comme card, mais les Japonais adorent le suffixe en -o, donc : kadō . Donc si tu veux payer par carte bleue, tu dis : kado)

En Afrique, à la fin du 19ème siècle, une équipe de construction de chemin de fer tente de dresser un pont ferroviaire. Mais ils ont régulièrement agressé par des lions qui peu à peu décime leur troupe. Aidé par un chasseur baroudeur et une troupe de soldats massaï, le colonel qui dirige l'expédition va en faire en faire un combat personnel virant à l'obsession. Le film a comme qualité de faire partie de ces grands récits cinématographiques exotiques, se situant souvent en Afrique ou en Asie, dans des paysages incroyables, que nous proposait régulièrement le cinéma américain, jusqu'à la fin des 90's. C'est bizarrement le numérique qui a coupé ce genre de gros budget alors que paradoxalement tourner en numérique revient moins cher. Celui-ci est l'un des derniers soubresauts d'un genre déjà poussiéreux au moment où sort le film en 1997 et il n'en est malheureusement pas le meilleur exemple. Après une exposition plutôt ambitieuse et réussie, le film se perd autour de cet affrontement homme / animal sans présenter d'autres enjeux qui pourraient hisser le discours du film vers quelque chose de plus ambitieux.



Si la petite musique almodovarienne se déroule impeccablement voire même implacablement, cependant sans la moindre surprise, on ne peut pas dire que ce film, dont le titre original "Noël Amer" est tellement plus beau, soit une réussite. L'histoire de ce récit croisé entre la vie de ce cinéaste en train d'écrire son nouveau film, et la vie des personnages à qui il donne vie sur le papier, s'entrelacent et se relient autour d'un détail, qu'il emprunte dans sa vie privée pour donner du relief à son scénario, et qui va lui créer des soucis dans ses relations; une idée à la Desplechin en somme. Mais Almodovar ne le traite pas avec la profondeur d'un Desplechin, et reste souvent à la surface des choses, comme tout le reste de son film, tout est trop propre, trop simple, trop bien décoré et agencé, sans la moindre aspérité, pour qu'on y croit. Ce qui m'a le plus gêné dans l'ensemble, c'est que j'ai mis un temps fou à comprendre que les personnages de sa fiction n'étaient que des personnages de fiction (à part un donc) et n'étaient pas également des personnages de son entourage réel. Le récit entretient cette confusion dans un premier temps, et lorsque tu comprends que ce n'est finalement pas le cas, tu te dis, à quoi bon ce récit mêlé si le lien entre les deux parties est si ténu ?


Il arrive parfois au français Assayas de se lancer dans des grandes copro internationales, ici adaptant un roman à succès, et je dois dire qu'il s'en sort plutôt bien (alors que je craignais le pire). Je n'avais pas lu le roman, j'ai donc découvert la trame en voyant le film, et cette idée d'homme qui a créé Poutine de toute pièce pour le mettre au pouvoir et le regretter ensuite est bien fichue dans sa façon d'entrelacer la vraie histoire aux rajouts de fiction, et surtout, m'apparait comme le miroir idéal du The Apprentice d'Ali Abbasi sur la construction du monstre Trump. Bien joué, bien filmé, bien ficelé, j'ai vraiment passé un super moment de cinéma narratif maitrisé. En revanche on l'a montré au kid, mais j'ai découvert que ce genre de récit était encore un peu trop complexe pour lui, il s'est bien fait chier



J'ai un a priori négatif sur le cinéma de Lukas Dhont, mais je n'avais encore jamais vu le moindre film, il était donc temps de remédier à cela. C'est son nouveau prix (Palme pour ses deux acteurs) qui m'a donné envie de voir son film précédemment primé, Close ayant reçu le Grand Prix en 2022. Je trouve que le film ne mérite absolument pas un prix pareil, mais je dois également avouer que son cinéma n'est pas la catastrophe que je redoutais. J'avais vraiment peur d'un Céline Sciamma masculin, d'un Xavier Dolan belge, mais Dhont est tout de même moins dans le cliché et plus dans la réserve. C'est l'histoire de deux gamins inséparables qui s'adorent, et lorsque le collège débute et qu'on les soupçonne d'homosexualité, l'un s'éloigne de l'autre pour ne pas subir ce harcèlement, et l'autre se suicide, vraisemblablement à cause de cela. Le gamin qui reste, Léo, souffre d'un énorme sentiment de culpabilité, notamment vis à vis de la mère de son copain, a qui il finira par avouer cette (possible) culpabilité. Cette femme finira par lui offrir son pardon, ce qui sera le signe pour lui d'une reconstruction possible. Alors oui, Dhont ne va pas loin dans son discours, il reste souvent en surface, fait un peu de la belle image pour de la belle image, frôle la superficialité, mais tout de même, je trouve qu'il y a quelque chose d'honnête dans son geste, il ne joue jamais la surenchère, et il a plutôt tendance à décélérer à chaque fois qu'il en a la possibilité, alors que tant auraient fait l'inverse. Les enfants sont bien mais ce sont surtout les deux mères qui m'ont émue, interprétées par deux actrices sublimes, Léa Drucker et Emilie Dequenne, magnifique en mère inconsolable, et qui jouait peut-être ici l'un de ses derniers rôles, son destin tragique rajoutant encore plus d'émotion aux scènes où elle est présente.



J'ai tellement envie de découvrir Minotaure, le nouveau film du rare Andrei Zviaguintsev qui vient de remporter le Grand Prix à Cannes, que je viens de décider de revoir tous ses films. Il n'y en a que 5, et j'avais il a quelques temps acheté un superbe coffret bluray les contenant tous, et les revoir dans d'aussi belles conditions est absolument génial. J'avais littéralement adoré son premier film, Le Retour, à sa sortie en salle en 2003, et plus de 20 ans plus tard (je l'avais revu une fois entre temps), le choc est encore plus fort. C'est un immense premier film, et un immense film tout court, à la mise en scène et à l'image tellement abouties pour un coup d'essai. En revoyant le film aujourd'hui, où le sujet est simple, il s'agit de tuer le père, ce qui saute aux yeux c'est que tuer le père c'est aussi tuer l'agresseur, mais c'est aussi que ce père, qui d'ailleurs est durant tout le film montré comme une sorte de dieu, de Christ déchu, est aussi une métaphore de la dictature russe. Zviaguinstev fait ce film au tout début des années 2000, Poutine vient d'accéder au pouvoir, et cette figure autoritaire paternelle et nocive qui revient et qui veut imposer sa loi dans cette famille qui vivant heureuse sans lui, a, avec le recul, forcément aussi le visage de Poutine.



Là aussi, ça avait été un énorme choc en salle, en 2008, et c'est toujours le cas aujourd'hui (je ne l'avais jamais revu). Dire déjà que plastiquement c'est le plus beau film du cinéaste, c'est sublimissime de chaque plan, et d'une intelligence de mise en scène incroyable. Le film est fascinant, il raconte l'histoire d'un homme (le même acteur que le père du Retour, il y a forcément un lien) et de sa famille qui quittent la ville pour habiter une maison perdue en pleine campagne. Là bas, sa femme lui apprend qu'elle est enceinte d'un troisième enfant, mais qu'il n'est pas de lui. L'homme, qui aime encore sa femme et ne veut pas la quitter, la force à avorter. Elle meurt des suites de cet opération réalisée clandestinement. Et l'homme d'apprendre trop tard que cet enfant était en fait bien le sien. Le film est encore plus complexe que cela dans ses couches narratives, un flash back final venant donner un nouvel éclairage. Quoi qu'il en soit, avec ce film, Zviaguinstev s'affirme comme le chainon manquant entre Bergman et Tarkovski, et sa mise en scène prend une ampleur qui l'installe dès le second film comme l'un des plus grands cinéastes de son temps. Je me souviens qu'Elena, le troisième, m'avait déçu, mais a posteriori je crois surtout que c'est parce que le cinéaste m'avait surpris en me proposant quelque chose qui n'était pas ce que j'attendais. La suite de sa filmographie l'a confirmé. Donc je suis très heureux de le revoir pour réviser mon jugement.

groil_groil a écrit : ↑mer. 27 mai 2026 11:48 Elle meurt des suites de cet opération réalisée clandestinement. Et l'homme d'apprendre trop tard que cet enfant était en fait bien le sien.

Puisque tu as spoilé le twist du film (la mort de Vera et surtout le fait que l’enfant était bien de son mari) : comment peut-on croire à un truc pareil ? Toi qui disais, il y a quelques jours, trouver complètement absurde la rencontre entre Amin et un producteur américain dans Mektoub, My Love: Canto Due, au point de rendre le film presque nanardesque (pourtant, il n’y a pas mort d’homme, si je puis dire), comment peux-tu croire qu’une femme, dans une relation sans amour, mente à son mari à propos de sa grossesse, accepte de avorter, puis se suicide après ? Moi aussi, je peux dire que le film est un nanar (ce qu’il n’est pas).

Alors un spectateur lambda peut très justement nous demander :
“Et pourquoi ne l’est-il pas ? Parce que la mise en scène est somptueuse, vertigineuse etc., etc. ? Et alors ?! Puisque le pitch du film est complètement absurde et ridicule : quelle femme accepterait d’inventer une chose pareille ??”
Il n’aurait pas tort !! Car sinon, acception une fois pour tout que la forme existe séparément du fond et on n’en parle plus ! Et je suis sûr qu’une cinéaste femme (surtout mère) dirait sans doute soit que Andreï Zviaguintsev est complètement cinglé, soit qu’il se fout du monde.

En réalité, il est surtout un cinéaste-démiurge (et j’ai mis vachement du temps à le comprendre - uniquement à partir de l’Eviathian car jusque là, j’avais toujours beaucoup aimé ses films). Et comme son propre père a quitté sa mère lorsqu’il avait trois ans, cela l’a tellement marqué que tous ses films semblent être des variantes du divorce originel de ses parents. C’est si simple que ça !!

groil_groil a écrit : ↑mer. 27 mai 2026 11:48 Je me souviens qu'Elena, le troisième, m'avait déçu, mais a posteriori je crois surtout que c'est parce que le cinéaste m'avait surpris en me proposant quelque chose qui n'était pas ce que j'attendais. La suite de sa filmographie l'a confirmé. Donc je suis très heureux de le revoir pour réviser mon jugement.

En fait, à mon humble avis, c’est son seul vrai bon film, car, pour une fois, ce n’est pas une histoire de couple — autrement dit, l’énième variation sur le divorce de ses parents.

C’est exactement le même phénomène que chez Cristian Mungiu : lorsqu’il traite de sujets socio-politico-économiques, cela donne de très bons films (“RMN” pour Mungiu, comme “Elena” dans le cas de Andreï Zviaguintsev) ; mais dès qu’il s’agit de sujets métaphysico-existentielo-théologiques, tout se gâte : le scénario prend le dessus, la mise en scène devient lourdingue, et cela donne que des films primés, autrement dit, toute la filmographie de Zviaguintsev, sauf… “Elena” ! Hasard ? Pas du tout !

La sieste fut bonne, à l'inverse du film - du moins, de ce que j'en ai vu.
Pour faire court, quitte à changer le titre du film, ils auraient quasi pu aller jusqu'à "auto-fellation".
En version plus polie, disons que le concept ne fonctionne pas pour deux raisons : 1/ on se tape le brouillon nul du type pendant les 3/4 du film, et t'as l'impression que le film ne démarre qu'à la fin. 2/ le mec se fâche avec son entourage en leur piquant une bonne histoire, sauf que l'histoire en question est bateau et pas si intéressante.
Ca tourne à vide, quoi.
Je remercie cependant le film, car étrangement j'ai eu plein d'inspiration pour mon propre travail à la sortie de la séance, comme si la fin m'avait poussé à cela. Merci donc, mais il sera tout de même bon dernier de mon top

sokol a écrit : ↑mer. 27 mai 2026 16:49

groil_groil a écrit : ↑mer. 27 mai 2026 11:48 Je me souviens qu'Elena, le troisième, m'avait déçu, mais a posteriori je crois surtout que c'est parce que le cinéaste m'avait surpris en me proposant quelque chose qui n'était pas ce que j'attendais. La suite de sa filmographie l'a confirmé. Donc je suis très heureux de le revoir pour réviser mon jugement.

En fait, à mon humble avis, c’est son seul vrai bon film, car, pour une fois, ce n’est pas une histoire de couple — autrement dit, l’énième variation sur le divorce de ses parents.

C’est exactement le même phénomène que chez Cristian Mungiu : lorsqu’il traite de sujets socio-politico-économiques, cela donne de très bons films (“RMN” pour Mungiu, comme “Elena” dans le cas de Andreï Zviaguintsev) ; mais dès qu’il s’agit de sujets métaphysico-existentielo-théologiques, tout se gâte : le scénario prend le dessus, la mise en scène devient lourdingue, et cela donne que des films primés, autrement dit, toute la filmographie de Zviaguintsev, sauf… “Elena” ! Hasard ? Pas du tout !

Pas une histoire de couple ?? ?? mais c'est le sujet central du film je le sais, je l'ai revu hier

groil_groil a écrit : ↑jeu. 28 mai 2026 09:13

Pas une histoire de couple ?? ?? mais c'est le sujet central du film je le sais, je l'ai revu hier

Je savais que tu allais réagir dans ce sens. Oui, bien sûr que c’est un couple, mais le film s’intitule Elena, donc c’est avant tout le portrait d’une femme. Et le film est très centré sur les problèmes socio-économiques de ces personnages, ce qui n’est pas du tout le cas dans les autres films.

PS : ce qui est monstrueux dans Le Bannissement, ce n’est pas le fait que l’héroïne meure (who cares ??!), mais l’idée que la Russie, elle, est éternelle (ses plaines et ses paysages à la fin du film). C’est dans ce cadre qu’il faut voir même la réaction de Zviaguintsev lors de la cérémonie de clôture à Cannes : c’était comme si, en 1940, Chaplin ne s’était pas adressé aux gens et aux soldats, mais avait plaidé auprès de « M. le chancelier du Reich Hitler » pour mettre fin au massacre.
Au mieux, c’est inconscient ; au pire, dégueulasse. Ce qui confirme qu’il est autant grand russe que le président-criminel de son pays. Et ça se voit dans ses films (mais il avait bien caché son jeux, en faisant des plans ’sublimes’, une mise en scène ‘incroyable’ etc etc)

Je viens de voir Le virtuose, de Daniel ROHER, avec Léo WOODALL et Dustin HOFFMAN. L’idée de base est intéressante. On suit l’histoire de Niki, accordeur de piano, qui a l’oreille absolue et souffre d’hyperacousie. Il va se retrouver embarquer dans des braquages de coffre-fort. Cela étant, j’ai trouvé qu’il y avait des facilités et des ficelles assez grosses dans le scénario. Ça manque un peu de tension pour un thriller, et au final, l’enjeu n’est pas très perceptible. J’ai apprécié Léo WOODALL, que j’avais vu dans The White Lotus, et qui dégage quelque chose. Le point fort du film, c’est son ambiance et sa B-O. Tout le travail autour du son, qui est central dans l’histoire, est vraiment remarquable. Je ne pense pas que ce soit un grand film, mais je n’ai pas passé un mauvais moment.

sokol a écrit : ↑jeu. 28 mai 2026 23:58

groil_groil a écrit : ↑jeu. 28 mai 2026 09:13

Pas une histoire de couple ?? ?? mais c'est le sujet central du film je le sais, je l'ai revu hier

Je savais que tu allais réagir dans ce sens. Oui, bien sûr que c’est un couple, mais le film s’intitule Elena, donc c’est avant tout le portrait d’une femme. Et le film est très centré sur les problèmes socio-économiques de ces personnages, ce qui n’est pas du tout le cas dans les autres films.

PS : ce qui est monstrueux dans Le Bannissement, ce n’est pas le fait que l’héroïne meure (who cares ??!), mais l’idée que la Russie, elle, est éternelle (ses plaines et ses paysages à la fin du film). C’est dans ce cadre qu’il faut voir même la réaction de Zviaguintsev lors de la cérémonie de clôture à Cannes : c’était comme si, en 1940, Chaplin ne s’était pas adressé aux gens et aux soldats, mais avait plaidé auprès de « M. le chancelier du Reich Hitler » pour mettre fin au massacre.
Au mieux, c’est inconscient ; au pire, dégueulasse. Ce qui confirme qu’il est autant grand russe que le président-criminel de son pays. Et ça se voit dans ses films (mais il avait bien caché son jeux, en faisant des plans ’sublimes’, une mise en scène ‘incroyable’ etc etc)

Je te sais très remonté contre ce cinéaste, sans que je ne comprenne pourquoi, parce que franchement, je revois tout ses films, et dans chacun il y a une attaque pour ou moins directe contre le gouvernement de Poutine.
Bref, passons.

Elena s'est remarié avec un type très riche, mais un vrai connard, qui la rabaisse constamment et la considère comme une boniche. Quand elle apprend qu'il a décidé de rédiger un testament d'où elle est absente, aux profits de la fille de son mari, elle décide de le tuer, espérant faire bénéficier sa famille à elle, totalement dans le besoin, de l'héritage. Je revois avec un plaisir immense et totalement à la hausse le 3ème film d'Andrei Zviaguintsev lors de cette rétrospective improvisée, alors que celui-ci m'avait un peu déçu à sa sortie, sans doute parce que je n'avais pas encore anticipé le virage politique de son oeuvre, déçu qu'il s'éloigne d'une esthétique qui me fascinait littéralement - et même si ce film est encore magnifique plastiquement, c'est indéniable, c'est un film politique et non esthétique. Et c'est aussi un extraordinaire portrait de femme, d'une grande force et d'une grande originalité. C'est encore une fois un film anti-Poutine, le mari se prénomme d'ailleurs Vladimir et il se présente vraiment comme l'archange noir du pouvoir dictatorial écrasant tout ce qui pourrait être contraire à ses décisions unilatérales. Immense film, encore un dans cette filmo parfaite, qui annonce parfaitement les oeuvres à venir, je vois vraiment Elena comme un virage.



Gourou c'est vraiment un film de son temps : sous un sujet qui se veut fort et clinquant, et un acteur / producteur qui insiste bien pour être de chaque plan et qui vocifère pour qu'on sente bien l'implication qu'il met dans ce rôle ainsi que son importante dans le paysage cinématographique, ce Gourou est au final totalement vide de toute substance et l'intérêt qu'on fait mine d'y prêter dans la première scène s'évapore très vite pour ne laisser place qu'à une énorme coquille vide semblable à une story instagram ou à une revendication toc d'un quelconque influenceur.



Je n'aime pas ces mots habituellement, mais là, ça s'impose : c'est un film nécessaire, utile, indispensable, afin que l'idée même de démocratie puisse continuer à évoquer quelque chose qui ait du sens. Le film est d'une dignité et d'une intelligence qui force le respect (j'aime tous les films de Garenq, je ne suis donc pas surpris), sa mise en scène est aussi sobre et précise que son propos est révoltant, mais ce propos, il est une la vague énorme d'un tsunami et l'on sait tous que rien ni personne ne peut l'arrêter alors qu'on l'espère de nos vœux. A revoir tout ce drame, l'un des plus grands drames modernes de notre pays, mais aussi de notre civilisation, les deux sentiments qui me viennent, c'est que premièrement l'histoire de ce drame est celle d'un affreux ratage. Tout a été raté, systématiquement, à chaque étape, par la lourdeur ou l'absence de réponse de l'administration, de la police, des collègues de travail, par tous ces gens qui n'ont pas pris conscience de qu'il était en train de se jouer, comme si les signes avant coureurs des années précédentes n'étaient pas suffisant pour prendre cela au sérieux. L'autre chose à laquelle j'ai pensée c'est que ce drame est vraiment un drame de son temps. Un drame d'internet, un drame des réseaux sociaux, un drame de cette surcommunication qui fait que les gens ne communiquent plus du tout réellement entre eux, et que sans tout ça ce drame n'aurais jamais eu lieu. Mais un drame n'est toujours que l'addition de diverses conditions négatives. Sinon, je n'ai pas vraiment lu de papier à ce sujet (y en a-t-il ?) mais j'ai entendu que certains taxaient ce film de racisme ? Il faut vraiment être sacrément con pour énoncer une bêtise pareille. C'est bien évidemment l'exact opposé.



Je n'aurais jamais pensé revoir ce film une fois dans ma vie, mais c'est suite à une demande de ma fille qui a appris la chanson à l'école. Disons que c'est beaucoup moins dur à voir avec sa fille à ses côtés...



Immense film une fois encore, suite parfaite à Elena, avec encore plus d'ampleur car il s'agit là de la toute puissance de l'état qui écrase l'individu et qui lui ôte tout, sa femme, sa maison, son travail, sa liberté. D'ailleurs, l'affreux maire mafieux responsable de la chute du héros a dans son bureau le portrait officiel de Poutine, normal, mais il les cadre tous les deux toujours dans la même axe afin qu'il n'y ait pas la moindre ambiguïté possible. Et au-delà de la force du message politique, le film est comme d'habitude d'une beauté hallucinante, et je dirais même que depuis Le Bannissement, Zviaguintsev ne cherche plus à faire beau, ce n'est plus son propos, et par effet de ricochet les films le sont pourtant toujours autant.

groil_groil a écrit : ↑lun. 1 juin 2026 14:01
Je te sais très remonté contre ce cinéaste, sans que je ne comprenne pourquoi, parce que franchement, je revois tout ses films, et dans chacun il y a une attaque pour ou moins directe contre le gouvernement de Poutine.
Bref, passons.

1. Au fond, je n’ai rien contre lui, mais contre les deux derniers films de Tarkovski (Nostalghia et Le Sacrifice). Ne serait-ce que les titres… (la nostalgie, le sacrifice, le bannissement… : c’est la même chose, n’est-ce pas ?)

Les cinq premiers films de Tarkovski, c’est vraiment autre chose. Il y avait de magnifiques portraits d’hommes (Rublev, Stalker, le poète du Miroir, le petit Ivan). Bien sûr, ces films sont imprégnés de l’âme russe, mais ce n’est pas leur sujet principal. Ils sont tellement universels qu’ils dépassent la Russie.

Puis arrivent ses deux derniers films, réalisés en Europe. Je les ai revus tous les deux très récemment ; j’avais d’ailleurs déjà touché un mot sur “Nostalghia” ici : viewtopic.php?p=138144#p138144
À mes yeux, ils ne parlent plus que de guerre culturelle (à croire que Tarkovski anticipait déjà la théorie de Huntington, ce qui est à vomir ! )

Zviaguintsev ne fait finalement que prolonger les deux derniers films de son maître. Mais Mungiu fait un peu la même chose hein, dès qu’il s’éloigne des sujets socio-économiques. Par exemple, dans “4 mois, 3 semaines, 2 jours” on ne sait quasiment rien de l’héroïne : elle veut avorter, l’avortement est interdit dans la Roumanie de Ceaușescu, et c’est tout. C’est du “Rosetta” vidé de… Rosetta ! Je veux bien croire qu’il ait voulu faire, peut être, du Bresson, mais Bresson ne vidait pas ses héroïnes de tout contenu social, économique et même politique ! L’héroïne de “4 mois… “ est montrée comme une pauvre conne (et je pèse mes mots) qui veut se débarrasser de ce fœtus, et rien de plus. Après, vas-y que je te montre en gros plan le fœtus pendant quarante secondes !

Et quand Mungiu réalise “RMN” bien sûr que cela donne tout autre chose ! Donc oui, ces cinéastes ont du talent, mais ils ne l’utilisent pas toujours intelligemment. En réalité, c’est surtout qu’ils ne l’utilisent pas politiquement comme il le faudrait ( mais cela est un autre débat).

Pareil avec “Elena” : c’est un très bon film parce que le cinéaste s’intéresse réellement à son héroïne et ne se contente pas d’une démonstration sur la guerre culturelle qui serait, soi-disant, le thème principal de nos sociétés, y compris dans les anciens pays de l’Est. Or c’est précisément ce que Zviaguintsev fait dans presque tous ses autres films (nous verrons ce qu’il en est du dernier).

2. Zviaguintsev attaque-t-il directement le gouvernement de Poutine au moins une fois dans chacun de ses films ?

Non seulement cela est le cadet des soucis de ce dernier mais cela l’arrange peut-être, puisque l’idéologie grand-russe dépasse de loin toute gouvernance particulière. Poutine entretient une correspondance avec Sokourov: c’est ce dernier qui nous l’apprend lui-même. Mais Sokourov a au moins l’honnêteté de le rendre public (personne ne l’y obligeait) et reconnaît lui-même se sentir humilié et offensé.
https://www.lalibre.be/international/eu ... ZSFB62Q3M/

L’exemple de Sokourov montre très bien que Poutine est parfaitement conscient que, dans un système économique libéral, les divergences de gouvernance ne sont, au fond, que des détails. Il a dû être l’homme le plus heureux du monde (encore faudrait-il qu’il en ait été informé) lorsqu’un cinéaste russe est monté sur la scène de Cannes pour l’appeler à l’arrêt de la guerre. (Je ne rentre pas ici dans les détails du type : « Si vous avez le temps M le Président de m’écouter quelques minutes, car vous avez d’autres décisions à prendre»)

Nous devons arrêter de regarder la Russie actuelle avec les lunettes de la guerre froide (Poutine serait un nouveau Staline sanguinaire, etc.). Ce n’est pas du tout ainsi que les choses se présentent. Poutine est soutenu par au moins (au moins !) une bonne moitié de la population russe. Zviaguintsev y a sans doute participé, consciemment ou non.

Une fois de plus, il suffit de regarder les dernières minutes du “Bannissement” : Alex a failli spirituellement, mais la Russie demeure grande, éternelle, sans commencement ni fin. Le film ne se termine pas sur Alex, mais sur la Russie qui lui survit.

P.-S. : De bons connaisseurs de la Russie contemporaine soulignent que le poutinisme ne représenterait peut-être pas la tendance la plus extrême parmi les courants de pensée russes, mais plutôt une ligne relativement modérée. C’est dire

Welfare de Frederick Wiseman

Si le film commence par un entretien qui se passe plutôt bien, il apparaît vite que Wiseman s’intéresse davantage aux tensions qui naissent entre les employés et les usagers dans ce bureau d’aide sociale new-yorkais au coeur des années 70. Son dispositif fonctionne en effet à merveille dans ces moments-là, donc il opte pour un montage qui fait monter crescendo cette tension jusqu’à une confrontation ultime qui se transforme presque en pugilat au point de nécessiter l’intervention d’un haut responsable et d’un agent de sécurité. Bien sûr, ces moments sont essentiels et marquants, mais je suis plus mitigé sur le choix de Wiseman d’en faire ici un procédé systématique. À force de trop appuyer, il écrase son sujet, il ne reste plus que les émotions comme l’indignation ou la colère qui ne permettent pas une vision plus élargie de la situation, notamment sur le système économique qui permet ça (et qui a toujours cours aujourd’hui, plus que jamais). Pire que tout, cette manière de faire a tendance à figer les personnes filmées dans une position unique, comme cette cheffe de service à la fin qui se retrouve avec le mauvais rôle sous l’œil de la caméra implacable de Wiseman. Difficile alors de ne pas s’arrêter à ce visage quand on se demande ce qui ne va pas, la colère ressentie primant sur toute forme d’interrogation plus complexe et ambivalente. L’impact est donc fort grâce à la maîtrise de Wiseman pour filmer des personnes au plus près sans que la caméra ne se ressente à aucun moment, mais le résultat n’en est pas moins stérile. Wiseman semble l’avoir compris puisqu’il a petit à petit procédé différemment dans ses films d’après, jusqu’à ce qu’on lui reproche de faire des films de plus en plus chiants (ce qui est plutôt bon signe, surtout pour les documentaires).