Le Centre de Visionnage : Films et débats

[sokol]

Là où je commence à être exaspéré par contre, c'est dans le choix musical qui me semble autant irritant que contre-productif : cette batterie jazzy un peu à contre-temps, un peu hésitante par endroit, pour napper les scènes du début dans le musée, pourquoi pas, mais alors ce saxophone cliché par dessus tout le temps ensuite aux secours. On dirait une playlist youtube qui se lance dès qu'il faut accompagner un moment un peu "action" du film. Ce n'est ni drôle, ni haletant ni intéressant. C'est du remplissage, qui renforce la préciosité des images et qui révèle pour moi une fainéantise supplémentaire de la cinéaste (voire du mauvais goût aha). Ou comment passer d'un film pas désagréable (mais peu marquant), à une expérience souvent pénible, dommage.

Ce qui rend les forums vraiment intéressants, contrairement aux réseaux sociaux où chacun campe sur son profil avec son ego, c’est que même quand les avis divergent, les arguments suivent la même logique, donc le débat a du sens.
Pour ma part, contrairement à toi, j’ai adoré la présence de la musique (moi qui suis pourtant facilement agacé par la moindre note illustrative). Loin de napper le film, elle le sublime, et je l’ai trouvée superbe à part entière.

[yhi]

J'avais un espoir lorsqu'il a accroché les tableaux au mur du salon

Tellement ! D'un coup ça donne une autre perspective au film comme s'il les avait volés pour les afficher chez lui.
Mais non, c'était pour l'argent

[groil_groil]

Un Akerman inédit, sorti en salle mais pas depuis, et qui n'est pas sur le récent et complet coffret, sans doute à cause de son interprète principal, Thomas Langmann, c'est dommage car il est meilleur comédien que producteur. Le film, coécrit avec Pascal Bonitzer, raconte l'histoire amoureuse d'un jeune couple fraichement installé à Paris. Il est chauffeur de taxi de nuit. Elle (Guilaine Londez qu'on connait mieux plus âgée mais qui était déjà excellente ici), est sort donc seule la nuit en attendant son conjoint, mais tombe amoureuse d'un autre garçon, chauffeur de taxi aussi, mais de jour. Elle passe donc d'un amant à l'autre, et dort peu, sans être capable de choisir, car elle aime les deux. Le film est très beau, et assez joyeux, raconté comme un conte, avec la voix off de Chantal, et c'est surtout et sans clichés, un formidable hymne à la liberté et à l'amour libre, comme affirmation de son identité. Le dernier plan, long travelling arrière qui cadre de face l'héroïne avançant vers nous, déterminée, en est un aveu.



Après l'horrible adaptation de Limonov j'y allais grave à reculons, mais non, c'est un excellent film, vraiment, quelque part entre Le Ruban Blanc d'Haneke, la Zone d'Intérêt de Glazer et Moloch de Sokourov. Kirill Serebrennikov joue sur 3 temporalités, années 50 en planque en Argentine, années 60 en planque au Brésil, toutes deux en noir et blanc léché, et la guerre, seule période en couleurs, qu'on voit peu et qui est fait presque documentaire dans sa façon de filmer. Malgré toutes les réticences qu'on peut ressentir légitimement en lisant ce que je viens d'écrire, le film est vraiment bien, dense, se tient, jamais putassier, et surtout évite tous les écueils d'un quelconque biopic, c'est même tout sauf ça.



Aux USA au début des 70's, un tranquille père de famille amateur d'art, se lance dans le braquage d'un musée et dérobe 4 tableaux qu'il adore et qu'il aimerait tout simplement exposer chez lui. Mais voilà, on ne s'improvise pas braqueur ni receleur, et indépendamment du fait qu'il s'entoure d'une bande de branques encore plus nuls que lui, le film semble lui dire en permanence que "quand ça veut pas, ça veut pas !" et que si on n'est pas fait pour ça, il vaut mieux laisser tomber. Cette "erreur de casting" (je ne parle évidemment pas de l'excellent acteur) permanente rajoute au film un côté humoristique que le scénario n'a jamais, tant le personnel semble être une projection d'un Pierre Richard à l'Américaine transbahuté dans l'univers du vol de tableaux. C'est pour moi l'un des plus plus beaux films de Kelly Reichardt, que j'ai tendance à trouver très inégale, notamment parce qu'elle croit à son personnage et qu'elle parvient à rendre sa cavale passionnante même si évidemment, elle le fait avec une lenteur incroyable, décrivant chacun des gestes en temps réel, donnant au film des aspects Bressionniens. Ainsi, la montée d'un coffre en bois à l'étage d'une grange peut prendre 15mn, mais jamais on ne s'ennuie. Un mot enfin sur la reconstitution de l'époque, et du choix de l'image qui l'accompagne : c'est tellement bien fait, sans afféterie aucune, tellement réaliste, que l'on jurerait qu'on vient de tomber sur un Bob Rafelson inédit de 1972.



Revu pour montrer aux enfants, et c'est mieux que dans mon souvenir. Les deux sont des monstres sacrés et c'est toujours un bonheur de les voir jouer ensemble. Toute la préparation du casse, sur la Côte, magnifiée, est vraiment excellente, prenante et très bien mise en scène. La seconde partie, le casse, est bizarrement moins réussie, mais ça ne gâche pas le plaisir d'ensemble. Ma fille était tellement dedans qu'elle se cachait pour ne pas voir remonter les billets du fond de la piscine dans la scène finale, tellement elle ne voulait pas qu'ils se fassent serrer



Vous devez à juste titre être en droit de vous demander pourquoi j'ai regardé ça. Tout simplement parce que ce truc est un tel phénomène dans le monde mais aussi dans notre pays (des millions de livres vendus, en tête des vente depuis des années..., et même le film qui a déjà totalisé plus de 4M de spectateurs à date), que j'ai besoin de voir pour comprendre, mais aussi cela permet de prendre le pouls de pays d'essayer de voir ce que le très grand public plébiscite. Bon n'y allons pas par 4 chemins, c'est de la merde en barre. C'est une sorte de revisite du thriller domestique 90's mais complètement édulcoré par l'esprit Netflix-mondialisation, je veux m'adresser à tout le monde sans choquer personne et le truc qui en sort pourrait franchement être issu d'une intelligence artificielle. ça se veut émoustillant, notamment en choppant la bimbo du moment et celle de la génération d'avant (à propos d'Amanda Seyfried et de ce genre de film, mieux vaut revoir le troublant Chloé d'Atom Egoyan), mais ça ne soulèverait pas la soutane du moindre curé. Je ne vais pas m'étendre plus que ça, c'est le Zéro absolu, la fin de la littérature, la fin du cinéma, la fin de la pensée, mais c'est ce que les gens consomment par millions en pensant se cultiver.



La crise des subprimes expliquée en images par Adam McKay, cinéaste qui est devenu bien sérieux après ses réjouissantes premières potacheries, un peu dans le même esprit que ses autres films récents, Vice et surtout Don't Look Up qui lui ressemble beaucoup. C'est à la fois super intéressant, et un peu confus tellement ça va vite et qu'on t'asperge d'images et d'informations dans tous les sens sans forcément bien faire le tri avant.



Je n'ai jamais relu, et je en relirai sans doute jamais Pagnol, en revanche, plus le temps passe plus j'aime profondément son cinéma, d'une profondeur et d'un humanisme rare. Ce Merlusse en est un exemple frappant, celui d'un petit professeur aigri et que tout le monde craint, qu'on appelle Merlusse parce qu'il sent le poisson, et qui se voit obligé de garder en pension les enfants n'ayant pas été réclamés par leurs parents pour les fêtes de Noël. Alexander Payne en a fait un remake récemment, le superbe Winter Break, et franchement il y avait de quoi. Tout était déjà là. C'est un petit film (même dans sa durée, alors que Pagnol est d'habitude généreux), la multitude de gosses lui donne un côté Jean Vigo, mais c'est un film marquant, touchant, profond et humain.



Je connais la BO de Morricone par coeur, mais je n'avais encore jamais vu ce classique du Giallo que Carlotta vient de sortir en 4k, le rendant enfin visible au grand nombre. Belle découverte, c'est de toute évidence une réussite du genre, et qui en évite les poncifs : le film n'est pas bavard, comme c'est souvent le cas, les séquences de meurtres sont inventives, l'arme du crime aussi, mais surtout, le film ne joue pas au Whodunit à la Agatha Christie comme c'est beaucoup trop souvent le cas dans le giallo. Non, là, quand on découvre l'assassin, on se rend compte - c'est rare - qu'on ne le connaissait pas, ce n'est jamais un personnage, c'est juste la figure incarnée du mal, celle qui permet de faire avancer le récit et de faire de la mise en scène.



Je l'avais déjà vu deux fois, mais ce fut un immense plaisir de revoir l'un des deux chefs-d'oeuvre de Ron Howard (l'autre étant Portait craché d'une famille modèle), l'un des plus grands films que je connaisse sur la question de la schizophrénie, mais aussi l'un des plus beaux traitant de mathématiques, de la grandeur et de la poésie des mathématiques. C'est magnifiquement écrit (d'après un roman, lui-même d'après une histoire vraie), magnifiquement interprété (Crowe bien sûr, mais ne serait-ce pas le plus beau rôle de Jennifer Connelly) et magnifiquement mise en scène, dans un respect des codes hollywoodiens classiques.

[cyborg]

@groil_groil je n'ai aucune idée de ce qu'est la Femme de Ménage. J'imagine qu'il y a eu le même type de phénomène ici. Je vis vraiment dans un autre monde...

Dans mon précédent post j'ai oublié de dire que j'avais aussi vu



Du côté des tennis - Madeleine Hartmann-Clausset - 1976

Du Côté des Tennis déploie le même style que la réalisatrice utilisait dans son premier film, Villa Les Dunes, paru 3 ans plus tôt. A savoir une approche sèche, quelque part entre le cinéma direct et le cinéma ethnographique, dans laquelle la narration, réduite au minimum, nait avant tout de l'observation et de la répétition. Alors que "Villa..." filmait des gens en vacances, c'est ici l'inverse qui est montré : le quotidien, la vie au foyer, dans son quartier, au loisir (les fameux tennis) ou au travail. Les tous derniers plans évoquent même un départ en vacances, créant une boucle conceptuelle entre les deux œuvres.

Les gens à l'image sont d'ailleurs plus ou moins les mêmes, la classe moyenne sup' / petite bourgeoisie, qu'on pourrait qualifier de "bien comme il faut". Mais cela sous un angle inattendu, à savoir celui des femmes, celles qui sont épouses ou amantes, travailleuses ou au foyer. Les hommes sont secondaires et quasiment absents, apparaissant un peu plus dans la dernière partie. Hartmann-Clausset cherche de la sorte à capter la parole libre des femmes entre-elles, parlant d'amour, de famille, d'enfant, de rêve, des propos que l'on entend donc assez peu pour l'époque. A part Marie-Christine Barrault, tous les personnages sont des amatrices, jouant plus ou moins leur propre rôle. Plus que des destins, c'est le jeu des rôles pré-construit et de la tradition qui se dessinent, le concept de féminisme et les possibles d'une émancipation surgissent parfois mais c'est pour mieux disparaitre aussitôt, sous le poids des habitudes. Il en résulte un film un peu monotone, assez simple, mais aussi assez honnête dans sa tentative de dresser le portrait d'une certaine France des années 70, bien loin des questionnements politiques qui l'agite alors.

[Kit]

Je n'ai jamais relu, et je en relirai sans doute jamais Pagnol, en revanche, plus le temps passe plus j'aime profondément son cinéma, d'une profondeur et d'un humanisme rare. Ce Merlusse en est un exemple frappant, celui d'un petit professeur aigri et que tout le monde craint, qu'on appelle Merlusse parce qu'il sent le poisson, et qui se voit obligé de garder en pension les enfants n'ayant pas été réclamés par leurs parents pour les fêtes de Noël. Alexander Payne en a fait un remake récemment, le superbe Winter Break, et franchement il y avait de quoi. Tout était déjà là. C'est un petit film (même dans sa durée, alors que Pagnol est d'habitude généreux), la multitude de gosses lui donne un côté Jean Vigo, mais c'est un film marquant, touchant, profond et humain.

ah Merlusse, je l'ai découvert il y a plus de cinquante ans et j'ai cassé les pieds à l'allogéen Miamsolo, prof et parce qu'il avait un topic de Noël sur Allociné, pour qu'il le découvre
décidément les adaptateurs français ont traduit le titre original The Holdovers par un autre titre anglais Winter break pourquoi ne peuvent-ils pas traduire l'anglais en français en reprenant le titre québécois, ben quoi

[cyborg]

Hide and Seek - Su Friedrich - 1996

Comme dans "Sink or Swim", Su Friedrich s'intéresse à l'identité lesbienne et à sa "prise de conscience" lors de l'entrée dans l'age adulte. La réalisatrice mélange trois types d'images, qui se répondent les unes les autres. La majorité est constitué de témoignages de lesbiennes adultes évoquant leurs souvenirs d'adolescences. Ces entretiens sont entrecoupées de scènes fictionnelles de la vie quotidienne (jeux, école, etc..) d'enfants dans l’Amérique du Nord des années 60, suivant notamment une jeune fille le jour de ses premières règles. Les personnages pourraient tout à fait être les version fictionnalises des témoignages entendus, sans pour autant que le rapport soit direct. A ces deux types d'images se mélange un troisième : des scènes tirées d'anciennes séries TV ou films éducatifs. Les normes traditionnelles et coercitives qui s'y trouvent apparaissent par jeu de contraste avec les autres images utilisées par l'autrice. C'est par ce type de procédés que se démarque le travail de Su Friedrich., construisant des films ouvertement politiques et engagés, tout en évitant les écueils du militantisme frontal.



Transposition américaine du même livre dont est adapté "La chienne" de Renoir, que Lang transforme en film noir implacable. Il est bien sur génial que tout tourne autour du travail d'un peintre, d'autant plus un peintre au style naïf et "sans perspective" (je ne sais si c'est la même esthétique chez Renoir), quant tout le film ne cesse de nous parler d'apparence et d'illusions des rôles qu'on se prête à jouer dans la société. Plus encore, le film ne parle même que de la valeur des apparences, et plutôt du côté de ce qu'elles peuvent "coûter" que "rapporter". Et si celles-ci ne tuent pas (il y a même deux "retours depuis les morts" dans le film), c'est leurs poids qui finissent par hanter et condamner. Le final est, à ce titre, particulièrement âpre, ne laissant vaillant aucun des personnages.



Fanny's Film - Fronza Woods - 1981

Court-métrage documentaire recueillant la parole d'une vieille femme de ménage noire, revenant sur tout le parcours de sa vie. Son témoignage se superpose d'une part à ses taches de nettoyage mais plus encore à son contexte de travail : une salle de gym où des new-yorkais, aussi riches que blancs, viennent parfaire leurs silhouettes. Entre les exercices physiques et les gestes de propreté apparait un décalage cinglant remettant en perspective les questions du "care", par l'angle de la classe et de la race. Sous son aspect modeste, Fanny's Film vient ainsi prolonger les réflexions essentielles du "Maintenance Art Manifesto" de l'artiste Mierle Laderman Ukeles paru en 1969.



Killing Time - Fronza Woods - 1979

Bref court-métrage durant lequel une jeune femme cherche la tenue idéale pour se suicider... ainsi que la meilleure façon pour y arriver. Le final, simple, inattendu et hilarant, finit de clore ce bref commentaire sur l’inconsistance adolescente.



Ornette : Made In America - Shirley Clarke - 1985

Le jazz occupait déjà une belle part dans le premier film de la réalisatrice, The Connection, en 1961. Bien que je ne connaisse par la suite de son parcours, je n'ai donc pas été surpris d'apprendre que son dernier film est un portrait de Ornette Coleman. Le problème est que le film est, à peu de chose près, nul. Bouts de concerts, extrait d'archives, bribes d'entretien, vagues reconstitutions d'enfance, discussions intimes... ponctués d'effets visuels calamiteux (l'idée d'un montage épileptique au sein d'un entretien reste un mystère) ou (désormais) totalement kitch (début des effets vidéos, la fin cosmique, etc) : le film part dans tous les sens sans que l'on puisse comprendre quoi que ce soit ni de l'artiste ni de son art. Je suis sorti du film avec l'impression d'avoir vu un portrait sur l'imaginaire esthétique des années 80, période semblant être celle du grand spectacle généralisé rabaissant tout en un seul et même flux. Superficiel et indigeste.

[groil_groil]

Encore un grand Chabrol, dans le ton pas très éloigné d'Une Affaire de Femmes, même si le sujet n'a évidemment rien à voir. Huppert porte le film sur elle, elle y est extraordinaire et compose un personnage dont l'ambiguïté dépasse de toute évidence celui qui figure au scénario. Mais les parents de Violette sont sublimes aussi, Stéphane Audran on n'est plus étonné, mais Jean Carmet aussi m'a mis une grosse calotte en revoyant le film, je crois que c'est le film où il me plait le plus, son rôle est d'une infinie complexité et il est absolument génial.



La course éperdue d'un couple français désireux d'adopter un enfant cambodgien. Tavernier filme cette quête semée d'embuches telle un thriller d'action, caméra épaule, ça bouge tout le temps, il fait de lourdeurs administrative un suspense haletant, et nous embarque littéralement dans les complexités du système cambodgien, à grands coups de bakchiches, comme si on y était. L'une des grandes réussites du film est de mêler parfaitement l'aspect fictionnel au côté documentaire, le Cambodge étant filmé sans aucun travestissement, de nombreux personnages jouant leur propre rôle. On a vraiment l'impression d'y être. Le film est un vrai chef-d'oeuvre, et l'un de deux meilleurs Tavernier aux côtés d'Une Semaine de Vacances, haut la main. On l'a montré aux enfants et bien que le sujet ne les intéresse pas à la base, ils ont eux aussi été embarqués par la dynamique de la mise en scène.



Drôle de film bancal d'Akerman qui est fait en grande partie de répétition enregistrées des scènes de Golden Eighties, avec des moments chantés, et dans lesquelles la fiction s'invite peu à peu et toujours très légèrement, sans susciter non plus un intérêt majeur.
Avec ce film, j'achevais ma rétrospective intégrale de l'oeuvre de Chantal Akerman. 45 films, quel voyage !



Premier court métrage de Joao Cesar Monteiro, il s'agit d'un film documentaire consacré à cette grande poétesse portugaise. Le film est très intime, on la voit chez elle, avec ses enfants, et prend aussi de grandes envolées poétiques et minimalistes, comme on les croisera dans l'oeuvre futur du cinéaste qui fait montre dès son coup d'essai d'une vraie personnalité, peut-être encore en recherche mais déjà affirmée.



Qui court après les souliers d'un mort meurt nu-pieds - Joao Cesar Monteiro (1970)

Dans ce court-métrage, son premier de fiction, mettant en scène deux amis qui deviennent mendiants, Monteiro filme comme Eustache filmait lors de ses premiers courts métrage 10 ans plutôt et cite déjà Godard dans le texte. Tout est dit, tout est là, l'oeuvre se met en place. Et c'est déjà super beau formellement.



Je n'avais vraiment pas du tout aimé à la sortie, surtout que Chabrol avait enchainé des films plutôt réussi avant celui-ci, et le fait de le revoir durant cette rétrospective intégrale me fait l'apprécier d'avantage. Non que je pense qu'il s'agisse d'un grand film non plus, mais je crois qu'à l'époque, on était encore trop dans le chaud de l'actualité Eva Jolly / L'Affaire Elf et je pensais que j'allais voir un film qui traitait de l'affaire avec fidélité. Comme ce n'est pas le cas, on ne peut être que déçu. Mais le temps passant, je comprend mieux ce qu'à voulu faire Chabrol. Il ne s'inspire que très évasivement de cette affaire, comme de n'importe quel fait divers qu'il exploite dans ses autres films, pour construire un scénario qui lui est propre mais qui ne veut en rien se présenter comme biographique. Et une fois comprend ça, le film retrouve son sens.



j'ai découvert la série de bande dessinée Les Enfants de la Résistance via ma fille alors qu'elle avait à peine 7 ans. Elle s'est passionné pour cette série dont elle a lu des dizaines de fois les 9 albums, c'est par cette bd qu'elle s'est sensibilisée à la seconde guerre mondiale, à la shoah, à la résistance, à la déportation... et c'est donc avec elle, pour elle, que nous sommes allés voir l'adaptation cinéma. Eh bien malgré le peu de bien que je pense de son cinéaste Christophe Barratier, je dois dire que c'est une adaptation à la fois très fidèle et très réussie de la bande dessinée, des deux premiers tomes uniquement, dois-je préciser. c'est rare de voir une adaptation réussie, c'est donc encore plus important de le signaler. Evidemment il faut voir ce film à hauteur d'enfant, la mise en scène est vraiment plan-plan, voir naphtalinée, il n'y a absolument aucune innovation ni même d'idée de cinéma là-dedans, mais on y trouve ce qu'on vient chercher, et personnellement j'y ai même pris du plaisir. C'est courageux aussi de faire un film pour enfants qui se termine si mal (je spoile si vous n'avez pas lu, mais le film s'arrête sur la mise à mort du père par les soldats nazis), et qui appelle forcément plusieurs autres volets pour raconter la suite de la bande dessinée, qui n'est d'ailleurs pas achevée à date. J'espère que ce premier film marchera suffisamment pour autoriser les volets suivants.

[len']

L'Arbre aux papillons d'or de Thien An Pham

L’influence de cinéastes comme Apichatpong Weerasethakul ou Tsai Ming-liang est devenue tellement importante qu’elle aboutit inévitablement à la production de films comme celui-ci, souvent accompagnés de prix et de critiques élogieuses parce que, dans tous les cas, ça fait toujours mouche de faire de longs plans en pleine nature avec un gars au bout de sa vie. En effet, c’est beau, ça peut même laisser un vertige métaphysique à condition d’être particulièrement détendu ou d’avoir bu un coup de trop. Si on y reste insensible, dans le doute, on peut toujours se demander si ça ne vient pas de nous, peut-être qu’on est passé à côté ou qu’on s’est simplement endormi. Et en effet, si je m’étais endormi, peut-être que j’en aurais pensé beaucoup de bien malgré tout. Mais ce n’est pas malheureusement pas le cas, j’ai bien vu ce qu’il y avait à voir jusque dans les froissements des rideaux. Au début, je me suis laissé prendre par la discussion à table qui finit par le surgissement du drame, bien que ça me donnait déjà un arrière-goût de déjà-vu. Mais la séquence de la table de massage, le titre qui arrive trente minutes après le début du film, le coq… A chaque plan, je n’ai pas pu m’empêcher de penser à un autre cinéaste et je peinais à identifier Thien An Pham en tant que tel (même si je ne suis pas un grand fan, je vois tout de même un peu plus de singularité chez Bi gan). J’étais plutôt content de pouvoir enfin voir ce film, il y a peu de films vietnamiens et il y a pourtant tellement à dire, mais ça m’a plutôt dépité qu’autre chose et ça ne me rassure pas sur la nouvelle génération de cinéastes asiatiques qui ont un savoir-faire technique indéniable mais sont pour l’instant plutôt les élèves premiers de la classe qui écoutent bien sagement le professeur plutôt que ceux du fond qui regardent par la fenêtre et se demandent comment s’échapper. À voir comment il évolue, même si Weerasethakul, qui semble quand même avoir bien influencé le cinéaste, avait déjà sorti comme premier film Mysterious object at noon, une déflagration d’entrée de jeu.

Il y en a qui ont aimé à l’époque de sa sortie ? Qu’est-ce que vous en avez pensé et qu’est-ce qu’il vous en reste ? Je suis curieux, je suis peut-être bien passé à côté après tout (il y a toujours ce doute...)

[Narval]

Vu deux fois à se sortie, c'était mon film préféré de l'année à l'époque et c'est un chef d'œuvre à mes yeux.
Pas une séquence qui m'a laissé indemne, je trouve le rythme fantastique et plus encore le déraillement progressif du personnage jusqu'au plan final sublime. J'adore la façon dont le film se met à hauteur d'enfant pour faire des tours de magie au spectateur, avec plusieurs plans où des objets disparaissent ou apparaissent à l'écran, notamment dans les scènes nocturnes, et de manière plus générale comment il joue avec la longueur des séquences pour tromper les attentes (le monologue du vieillard qui se termine par un coupe sèche sur son corps meurtri, celui de la dame très spirituelle qui finit par se faire rembarrer et traitée de baratineuse...). Et plus encore les non-dits et la gêne du temps qui passe entre les deux amants du film qui se conclue dans le couvent, quasi aucun dialogue mais tout est là.

Ah et au passage, c'est drôle que tu parles de Mysterious Object at noon car pour le coup je trouve que ce n'est vraiment pas un film très intéressant. L'ayant revu récemment je l'ai trouvé très moyen (j'en avais quasi aucun souvenir et maintenant je sais pourquoi). A mon humble avis la déflagration chez Joe c'était plutôt son second film.

[cyborg]

@len' : je n'avais pas aimé non plus et mon visionnage plutôt récent) m'avait beaucoup déçu. Nos reproches se recroisent. Voici ce que j'avais écrit :


Bien que doté d'une cinématographie à tomber à la renverse, L'Arbre aux Papillons d'Or fini malheureusement par ressembler bien vite à un best-of de tout ce qui pourrait constituer un idéal du cinéma d'Asie du Sud-Est contemporain, et du cinéma d'auteur dans son ensemble, le réalisateur ne se gênant pas pour en convoquer d'autres ouvertement tel que Tarkoski, Bela Tarr ou Bill Viola... On pourrait faire une liste de nom d'auteurs longue comme le bras sans trop se forcer mais c'est surtout à Bi Gan (ok pas que "du Sud-Est", donc) que l'on songe, adoptant lui aussi le temps comme sujet central, avec un variante ici pour la crise mystique. Mais si toutes les images finissent par ressembler à d'autres, on commence également à se demander si ce fameux "mysticisme" n"est pas lui aussi un peu préfabriqué et forcé sur pièce... Les quelques dialogues, qui enfilent des perles à ne plus quoi savoir en faire, ne nous rassurent pas beaucoup non plus sur la question. La longueur et lenteur du film en elle-même fini par friser la parodie. Sans être déplaisant, le résultat à néanmoins le même gout qu'un plat surgelé prêt à rassasier sagement les yeux et les âmes des cinéphiles de la planète.

[cyborg]

Une équipe hors du commun - Penny Marshall - 1992

J'avais comme un petit espoir en lançant un film hollywoodien, réalisé par une femme, sur les débuts de la ligue féminine de base-ball, mais sans doute n'aurais-je pas du. Le sujet était pourtant riche mais je suis, à l'heure qu'il est, toujours à la recherche d'un double discours, un sous-texte, une perspective, un angle, ou au moins un trace quelconque trace qui rendrait le film un peu plus intéressant que ce qu'il n'est pendant deux heures. L'émancipation des femmes ? La marchandisation de leur corps par le capitalisme ? La sororité ? Le patriarcat ambiant ? La ségrégation raciale de l'époque ? Rien. Enfin, j'exagérerai en disant que ces points sont totalement absents mais ils sont tous relégués au rang de plaisanteries expresses, au détour d'un plan ou l'autre, tendant à décrédibiliser tout ce qui pourrait faire naitre une pensée critique. Le film va même jusqu'à "straight-washer" l'histoire puisque l'héroïne principale semble être inspiré d'une joueuse lesbienne et qu'il n'y a même pas le moindre clin d’œil fait à cette possibilité. L'autrice (ou les producteurs...?) préfère se concentrer sur des enjeux familiaux et sportifs (pour confirmation : le baseball est définitivement un des sports les plus ennuyant) sans le moindre intérêt. Bref : le cinéma du divertissement poussé dans sa forme la plus fade, inodore et inoffensive qui soit.



Pushkar Puran - Kamal Swaroop - 2017

Une ligne d'horizon qui, d'un mouvement, devient le dos d'un animal qui se réveille. Cette image surprenante, ouvrant le film, annonce à elle seule l'approche qu'adopte Swaroop pour faire le portrait de Pushkar. Tel un jeu interminable de combinaisons, de formes et de textures, de corps et d'esprits, d'animaux et d'humains. d'infime et d'immense, d'agitation et de fixité, le réalisateur expérimente sans cesse pour représenter à l'écran cette ville sacrée et les importantes célébrations indoues qu'elle accueille. Bien qu'envoutant et orienté vers la spiritualité,, le film reste néanmoins tout à fait conscient de lui même et du risque de folklorisation de ses images. Ainsi le réalisateur n'hésite pas à intégrer les touristes et leurs réalités dans son film, ouvrant son documentaire vers l'Inde contemporaine et notre monde globalisé, le rendant plus passionnant encore. Pour lui comme pour nous, la réalité et les croyances sont un entremêlement permanent d'époques, de classes et de techniques.

Je suis très heureux d'avoir pu voir un autre film de Kamal Swaroop, qui confirme ici être un grand réalisateur. Ma découverte de "Om-Dar-B-Dar" date du début de ma curiosité pour le cinéma indien, mais déjà à l'époque il m'avait semblé assister à ce qui pourrait bien être le film le plus libre et fou de tout le cinéma indien (j'en suis à penser que le film, par son énergie, ne rayonne qu'avec quelques films de l'histoire du cinéma, mondial notamment Pierrot le Fou et Touki Bouki avec qui il forme une constellation à part entière). Ce documentaire, par son audace, confirme la place à part de son auteur. Il me tarde de voir d'autres de ses réalisations, malheureusement assez peu nombreuses.




The station - Eltayeb Mahdi - 1989

Des camions et de la mécanique. De la tôle et des couleurs. Du bitume et du sable. Du soleil et de l'ombre. C'est toute cette somme d'éléments que contient le film de Mahdi (du Sudane Film Group), portrait d'un lieu d'escale (un garage ? une station-service ?) installé au milieu de nul part dans le désert soudanais. Au bord d'une route reliant le Nord au Sud du pays, il y a ceux qui filent et ceux qui s'arrêtent, il y a ceux qui marchent et ceux qui conduisent. C'est en quelques brèves minutes, remplie d'une poésie formelle très réussie, que se matérialise pour nous ce lieu inimaginable mais pourtant bien réel ou se croisent presque sans se voir vie moderne et vie traditionnelle.

[groil_groil]

Le soir de la mort de l'immense Robert Duvall, j'ai eu l'envie de découvrir ce film qu'il a réalisé et que je ne connaissais pas encore (j'aime beaucoup Le Prédicateur). Duvall y interprête également le rôle principal, celui d'un tueur à gages qui s'aimerait rangé des voitures, également danseur de tango, qui a refait sa vie avec une femme beaucoup plus jeune que lui, mère d'une petite fille avec qui il a noué de belles relations. Il accepte un dernier contrat : aller tuer un homme à Buenos Aires. Mais ça ne se passe pas comme prévu, l'homme a eu un accident de ski en vacances, et est hospitalisé sur place, Duvall doit attendre son retour à Buenos Aires, ce qui le rend fou de rage car il va rater l'anniversaire de la gamine. Durant ce long moment d'attente, notre tueur traine dans un club de tango et rencontre une danseuse, là aussi beaucoup plus jeune que lui, et il est fasciné à la fois par sa beauté et ses talents de danseuse. Une magnifique relation se noue entre eux, ce n'est pas de l'amour, mais ça pourrait ou aurait pu l'être, une connivence, un échange d'une grande intensité qui passe par la musique et la danse, et qui fait que notre tueur à gages rencontre la famille et est presque adopté dans cette communauté. Mais il n'oublie pas qu'il a une mission à remplir... Je le savais déjà, mais c'est la confirmation que Duvall n'était pas qu'un acteur de génie, c'était aussi un immense metteur en scène, même s'il a peu tourné, avec un ton et un style propre, une écriture entre crudité et grande humanité, mais surtout un cinéaste qui a conscience du temps, ce qui est l'une des plus grandes valeurs d'un cinéaste et qu'au final peu d'entre eux possèdent.



Les frères Safdie ont décidemment bien fait de se séparer. Car en quelques mois ils signent chacun de leur côté les deux meilleurs films de leur carrière. Et ce qui est drôle c'est qu'il s'agit de deux biopics de deux sportifs réels. Si le Smashing Machine de Benny était déjà une éclatante réussite, son frère Josh tape encore plus fort avec ce Marty Supreme. D'ailleurs on se rend compte que le style si reconnaissable des frères vient surtout de ce dernier, même si ici il est plus canalisé que dans les œuvres précédentes. On y suit l'histoire d'une jeune champion de tennis de table au moment où ce sport explose, en 1952, un jeune type imbus de lui-même, extrêmement prétentieux, qui ose absolument tout, mais dont les prises de risques sont autant de panache, et de mise en danger de sa propre personne. Un personne complexe, qui est joué à merveille par cet immense acteur qu'est Timothé Chalamet, le plus grand qu'on ait vu éclore depuis Leonardo Di Caprio et dont les rôles récents, Bob Dylan et icelui, posent à jamais son génie. Il y a plein de choses géniales dans ce film survitaminé de 2h30 qui passe en un claquement de doigts, mais il faut savoir que le ping-pong n'est vite plus qu'un prétexte à une mise en scène qui est en course permanente (un classique des Safdie's), dont le but sera de ramasser suffisamment d'argent pour qu'il puisse se payer son voyage en avion pour Tokyo où il doit participer à des championnats du monde (la Fédération l'ayant puni refuse de lui payer son déplacement). C'est donc une grande course semée d'embûches à côté de laquelle un After Hours passe pour une soirée tisane/fauteuil club. C'est magnifique en tout points, le rythme, la mise en scène, l'écriture, une jubilation permanente. ça se passe en 1952, mais Safdie utilise la musique des 80's, on y entend donc deux morceaux de Tears For Fears (en ouverture et fermeture du film), mais aussi New Order, Alphaville, PIL, etc. et ce décalage donne une modernité à l'ensemble, une joie permanente. Et là-dessus, la BO est signée comme depuis plusieurs films par Daniel Lopatin, alias Oneohtrix Point Never, un des musiciens les plus influents de son temps et qui signe ici sans doute sa meilleure musique de film, encore une fois très influencée par celles de Tangerine Dream. Chalamet est extraordinaire, mais il est super bien accompagné par des acteurs et des rôles extraordinaires : la superbe Odessa A'zion pour commencer, qui est la révélation du film, mais aussi Gwyneth Paltrow extraordinaire et qui retrouve enfin un immense rôle à la hauteur de son talent, jusqu'à Abel Ferrara qui ne vient pas juste faire un caméo, mais qui endosse un vrai rôle, fascinant, toujours accompagné de son chien qui s'avère être l'un des personnages importants du film. Bref, c'est une tuerie totale que j'ai déjà envie de revoir.

[sokol]

Si le Smashing Machine de Benny était déjà une éclatante réussite

ah bon ? Je ne l'avais pas vu mais il parait que plus théâtral et hollywoodien, on meurt

[groil_groil]

Si le Smashing Machine de Benny était déjà une éclatante réussite

ah bon ? Je ne l'avais pas vu mais il parait que plus théâtral et hollywoodien, on meurt

ah non c'est un film que j'ai adoré, j'en ai parlé récemment.

[cyborg]

@groil_groil : tu me rends curieux pour "Smashing" car en effet je n'en ai entendu que du mal.
Pour "Marty" je suis hypé depuis le début et j'ai hâte d'aller le voir en salle (aussi parce que j'apprécie le ping pong et j'en ai fait en club durant mon adolescence )




Welcome II The Terrordome - Ngozi Onwurah - 1995

L'ensemble de la population afro-américaine vit regroupé dans un énorme ghetto, surnommé "Terrordome" dans lequel règne la misère et la loi du plus fort. Alors qu'un jeune homme blanc entreprend de se venger de son ex, désormais en couple avec un homme noir, débute une escalade de violence, entre guerre des gangs et violences policières. Film âpre et sans concession, la réalisatrice anglaise Ngozi Onwurah crée ici à un univers au carrefour de plusieurs influences, entre le New-York 97 de Carpenter et un clip de Mobb Deep, entre la blaxpoitation et l'afrofuturisme. On pourrait être amusé qu'un film qui se situe dans un futur indéterminé embrasse aussi fortement le style de son époque, celle du hip-hop East Coast alors en pleine heure de gloire. Mais le choix semble clair : essayer de s'adresser au plus grand nombre en s'emparant d'une esthétique populaire pour en faire le vecteur d'un discours politique radical. Car le vrai sujet du film est celui des discriminations raciales sur lesquelles se sont construit les États-Unis d’Amérique, jusqu'à en devenir son ADN. Le discours est ici clair : il faudra en passer par la lutte armée pour remettre en cause le status-quo de la violence systémique qui règne depuis des siècles. Alors que les esprits de Fannon, Parks ou Malcom X planent sur tout le film, il est peu de dire qu'ils ne restent pas ici "lettres mortes". J'ai rarement eu l'occasion de voir un film de cette forme (comprendre "film d'action grand public") aussi ouvertement subversif et révolutionnaire.





The Body Beautiful - Ngozi Onwurah - 1991

Bien que dans un genre totalement différent de Terrordome, The Body Beautiful est porté par une approche tout aussi radicale. Ngozi Onwurah construit ici un court-métrage autobiographique sur son rapport à sa mère et plus exactement au corps de sa mère et à son difficile vieillissement, subissant une mastectomie puis le développement d'arthrose. Tandis que sa mère joue son propre rôle, l'approche de la réalisatrice est on ne peut plus frontale. Qui a déjà vu filmé, et de surcroit longuement et avec tendresse, les cicatrises d'une ablation de la poitrine ? C'est en nous confrontant à cet "invisible total" que la réalisatrice fait basculer son film de la sphère intime vers la société dans son ensemble, questionnant de la sorte la représentation du corps des femmes, les liens familiaux et les stéréotypes moraux.

[len']

Vu deux fois à se sortie, c'était mon film préféré de l'année à l'époque et c'est un chef d'œuvre à mes yeux.
Pas une séquence qui m'a laissé indemne, je trouve le rythme fantastique et plus encore le déraillement progressif du personnage jusqu'au plan final sublime. J'adore la façon dont le film se met à hauteur d'enfant pour faire des tours de magie au spectateur, avec plusieurs plans où des objets disparaissent ou apparaissent à l'écran, notamment dans les scènes nocturnes, et de manière plus générale comment il joue avec la longueur des séquences pour tromper les attentes (le monologue du vieillard qui se termine par un coupe sèche sur son corps meurtri, celui de la dame très spirituelle qui finit par se faire rembarrer et traitée de baratineuse...). Et plus encore les non-dits et la gêne du temps qui passe entre les deux amants du film qui se conclue dans le couvent, quasi aucun dialogue mais tout est là.

Ah et au passage, c'est drôle que tu parles de Mysterious Object at noon car pour le coup je trouve que ce n'est vraiment pas un film très intéressant. L'ayant revu récemment je l'ai trouvé très moyen (j'en avais quasi aucun souvenir et maintenant je sais pourquoi). A mon humble avis la déflagration chez Joe c'était plutôt son second film.

Merci pour ton avis.
J'ai recherché des avis positifs sur ce film, j'en ai trouvé beaucoup mais peu qui allaient plus loin que "c'est beau et hypnotique", ce qui n'est pas le cas du tien qui est plus personnel. La scène avec la dame très spirituelle, j'ai oublié d'en parler mais c'est vrai que je l'ai bien aimé aussi, c'est ma scène préférée du film. Mais je reste globalement du même avis que cyborg avec cette sensation de best of.

Pour Mysterious object at noon, je l'ai vu qu'une fois il y a un moment mais il m'avait fait forte impression. Je ne m'en rappelle plus non plus, mais cela ne veut pas dire que le film n'est pas bon pour moi. Je ne me souviens d'ailleurs d'aucun film de Weerasethakul,, c'est comme après un rêve (à l'inverse, je me souviens parfaitement de certains films qui sont nuls).

[len']

Si le Smashing Machine de Benny était déjà une éclatante réussite

ah bon ? Je ne l'avais pas vu mais il parait que plus théâtral et hollywoodien, on meurt

Je l'ai vu à sa sortie Smashing Machine, mais je m'en souviens à peine. Quitte à contredire mon message du dessus, c'est pas forcément aussi bon signe pour celui-ci.
Par contre, de là à dire que c'est nul, non, j'ai quand même le souvenir que c'était bien mieux réalisé que la moyenne des films hollywoodiens. Et le réalisateur aime son personnage, ce qui est toujours bien.

[groil_groil]

Première question : pourquoi avoir confié le rôle de Shakespeare à Franck Ribeiri ? Le reste ? Un long chantage à l'émotion sur la douleur de la perte d'un enfant. Et tout ça pour justifier que Shakespeare se serait inspiré de la mort de son enfant pour écrire Hamlet - en changeant une lettre du prénom de son fils. (ce qui est marrant, c'est que sa femme s'appelait vraiment Anne Hathaway, ils auraient pu lui confier le rôle. Ceci dit, la comédienne est très bien, un des points forts du film). Bref, ce qui est doublement agaçant là-dedans (outre le fait que la mort du gamin est un élément "fantastique" dans le film, le seul, puisqu'il prend le mal de sa soeur pour mourir à sa place... ok...), c'est à la fois le chantage émotionnel bien appuyé, mais pire encore que le film semble n'être qu'une longue démonstration servant à prouver l'argument de base, Hamnet / Hamlet, la vraie tragédie qui inspire la tragédie écrite. C'est un long pensum... Quelques points forts tout de même, l'actrice, donc, Jessie Buckley, très convaincante, la photo qui est vraiment réussie, et le final, la pièce Hamlet jouée devant les yeux de la mère en larmes et toujours en plein deuil. C'est une scène que je redoutais car elle se présentait comme l'acmé de tout ce qui est raté dans le film, mais bizarrement elle est belle et émouvante. Au résultat, c'est sans doute le meilleur film de cette tâcheronne de Chloé Zhao mais ça reste bel et bien un mauvais film.

[Tyra]

Vraiment compliqué de parler du film, déjà parce que c'est pas toujours facile de parler du cinéma de Kelly Reichardt, mais surtout parce que j'ai vu le film dans des conditions compliquées : salle pleine, près de l'écran, mangeur de pop corn à gauche, ronfleur à droite, tête devant, ma compagne en béquille à accompagner aux toilettes... En lisant certain retours, je me rend compte que je suis passé à coté de beaucoup de choses, notamment pendant la première partie. J'espère le revoir dans quelque temps pour mieux m'y plonger. Mais j'ai aimé ce que j'ai pu en voir, même si le film aurait pu être encore un peu plus Bressonien, le sujet y invitait particulièrement (je pense à Pickpocket notamment). J'aime toujours la démystification que Reichardt opère sur tout les sujets qu'elle traite.

[Tyra]

Bon, ce n'est pas la cata annoncé, peut être le meilleur Desplechin depuis Ismael... Ce n'est pas vraiment grâce aux acteurs d'ailleurs, mais on ne peut pas demander grand chose à ce pauvre François Civil. Nadia Tereszkiewicz fait du Devos, et incarne parfaitement mais sans génie l'héroïne perverse typique du cinéaste. Car il est ici encore une fois question de variations sur les mêmes motifs, rejoués depuis 30 ans par le cinéaste : dédoublement, perte d'identité, vertige de la déchéance, couple à trois, paternité contrariée, judéité... Ce qui fait la différence ici c'est peut être le milieu de la musique classique, qui personnellement m'intéresse beaucoup, et ce personnage de mentor incarné par Charlotte Rampling, qui donne les meilleures scènes, même si, problème de casting donc, on comprend mal ce qu'elle trouve à cette endive de Civil.

[cyborg]

Freak Orlando - Ulrike Ottinger - 1981

Les histoires et les époques s'enchainent (de l'antiquité au Moyen-Age en passant par notre consumérisme contemporain), sans marqueurs précis, suivant les tribulations d'une curieuse troupe composée d'êtres tous plus surprenants les uns que les autres. Seule la toile de fond reste la même, un Berlin post-industriel, post-nazi et pré-chute du mur, transformé l'espace de deux heures en territoire fantastique, transcendé par les temps et les énergies. On y croise des poulet à tête de bébé et des clowns de toutes les couleurs, des crucifiés chantants et des SM dansants, on y participe à des banquets ou à des show télévisés extravaguants. Entre peintures vivantes et cabaret de rue, avec beaucoup d'humour, d'imagination et de légèreté, Ottinger nous convie à une vaste parade protéiforme, faisant de l'indétermination et de la fantaisie son carburant principal. Et le transformant en son discours politique de fond, faisant du droit à la différence la base du vivre ensemble. Plus que tout "Orlando Freak" est un hommage-déclaration d'amour à Berlin qui, avant d'être capitale allemande, fut de tout temps la capitale des bizarres et des déviants, dignes prédécesseurs de nos "queers" actuels.




Les enfants de la guerre - Jocelyn Saab - 1976

ici les images de guerre ne surgissent qu'entre les séquences plus longues du film. Fusillades, barricades, mutilations, morts, hantent le court-métrage, autant qu'ils hantent les esprits des enfants que Saab va filmer en train de jouer sur une plage libanaise. A quoi jouent-ils ? La guerre, bien sur. Ce qui semble être un simulacre cathartique finit par se transformer en répétition générale pour le cauchemar de la deuxième partie du film, quand nous voyons tous ces enfants, pour une bonne part orphelin, manier avec adresse de vrais armes confiées par des combattants. Ici Saab ne fait pas de la guerre un instantanée mais se penche sur toutes ses victimes collatérales, ses traumatismes durables et ses violentes répercussions sur le temps long, passant d'une génération à l'autre. Terrible.

[groil_groil]

En Ukraine en pleine seconde Guerre Mondiale, un enfant juif est caché dans la chambre d'une prostituée et ne verra le monde que par la porte de son placard dans lequel il est enfermé. Finkiel continue de creuser son sillon d'un cinéma de plus en plus personnel et en même temps de plus en plus personnel. Le film est intégralement tourné en Ukrainien, la géniale Mélanie Thierry a appris la langue pour le rôle, et elle y est formidable. Le film est beau même si le spectateur reste parfois un peu à distance.



Bonitzer est en forme en ce moment. Juste après le très réussi Tableau Volé (son plus beau film à date) et quelques jours avant la sortie de Victor comme tout le monde, qui est semble être le dernier projet de sa compagne Sophie Fillières qui n'a pas eu le temps de réaliser avant de mourir et qu'il tourne pour elle (quel magnifique cadeau), Bonitzer nous propose un énième Maigret, marronnier du cinéma français, peu de temps après le moyennement réussi Leconte avec Depardieu dans le rôle titre. Celui-ci est ici endossé par Podalydès avec réussite, tant il casse avec les codes physiques du personnage mais respecte à la lettre le reste. Le truc super c'est de situer l'intrigue aujourd'hui avec un personnage qui vit comme à l'époque, refusant d'avoir un téléphone, ce genre... occasionnant de nombreuses situations comiques. J'ai lu à droite et à gauche que c'était un pur cinéma de vieux, mais je ne suis pas du tout d'accord, les gens confondent décorum et mise en scène. Si le decorum est à l'ancienne, mais déjà avec beaucoup d'ironie, le scénario est génial, super bien écrit, qui fait avancer le film en le redynamisant et l'enrichissant à chaque nouvelle information. Car il s'agit bien d'un whodunit : un ambassadeur à la retraite est retrouvé mort dans son bureau d'une balle dans la tête et de 5 autres dans le buffet; Maigret va devoir identifier le coupable. La mise en scène de Bonitzer est alerte, pleine d'idées réjouissantes, tout en conservant cet auteurisme 90's dont il est désormais l'un des plus dignes représentants.



Ce grand classique de la comédie américaine moderne va déjà avoir 20 ans, et la suite va sortir. Joie, avec les deux mêmes actrices. Au cinéma avec les enfants, nous sommes tombés sur la bande annonce, et cela nous a tous donner envie de voir ou revoir ce premier volet qui reste une merveille, très dans l'esprit Capra, avec deux de mes comédiennes préférées ever.



Fragments d'un Film-Aumône est le premier long métrage de João César Monteiro (1972) et c'est étonnant de voir qu'il choisit de traiter d'un sujet qu'il ne réabordera jamais ensuite : la famille. On y suit la vie, quasi claustrophobe d'un couple et de leur enfant, dont l'oisiveté du père le conduit à ne quasiment jamais quitter son lit. La moindre confrontation avec le monde extérieur devient immédiatement problématique, en témoigne la plus scène du film, celle du conflit avec les beaux-parents. Alors que la famille les invite un dimanche, notre personnage reste muet, assis en tailleur, déguisé d'un masque de porc, et ne bougera que pour agresser son beau-père en l'insultant. Film étrange et assez expérimental déjà, Fragments montre déjà avec force des thématiques qui reviendront souvent dans l'oeuvre, l'instabilité, le refus de la société, le refuge dans une sorte de douce folie schizophrène, la poésie absurde comme seul repère face au monde.



Is This Thing On? est le nouveau film de Bradley Cooper, que je n'aimais jadis pas beaucoup en tant qu'acteur, mais dont la carrière de metteur en scène semble plus prometteuse (A star is born était génial, Maestro malheureusement bancal mais plein de bonnes idées tout de même). Ce nouveau film est coécrit avec son comédien principal, Will Arnett, mais s'inspire de la vie d'un autre comédien, Josh Bishop. On y suit la vie d'un homme, marié et père, en pleine séparation, et qui, au moment où sa vie va au plus mal, se prend de passion pour le stand up, et décide d'aller se produire tous les soirs sur des scènes ouvertes, apprenant le métier sur le tas en confrontation avec le public. C'est un film assez passionnant et très réussi, très émouvant également, où la justesse des comédiens (merveilleuse Laura Dern) est pour beaucoup dans la réussite du projet. On est là quelque part entre Marriage Story / Kramer Vs. Kramer pour le côté couple en déliquescence et Funny People de Judd Apatow pour le côté "métier d'acteur au travail vu de l'intérieur". Le film semble léger, mais sa profondeur vous saute au visage très rapidement, et c'est passionnant.



Le sujet du nouveau Klapisch est plus ambitieux que d'habitude mais malheureusement ce pauvre cinéaste est toujours aussi bébête et au final c'est toujours aussi gênant et problématique... Attention si vous en avez quelque chose à faire, je vais spoiler jusqu' à la fin du film. Un notaire réunit toute la descendance d'une vieille femme qui vient de mourir. Ce sont des branches différentes, ces gens ne se connaissent pas. Sa maison est sur un terrain où on aimerait construire un centre commercial et il faut l'autorisation des ayant droits pour le faire. 4 d'entre eux vont aller visiter la maison qui n'a pas été ouverte depuis 1944 et vont y découvrir un monde... Et un tableau au mur, qui va s'avérer être un véritable Monnet. Parallèlement à cela, nous suivons en flash back la vie de cet femme à son jeune âge et nous apprendrons in fine qu'elle est la fille cachée de Claude Monnet. Les deux gros soucis de ce film (parmi d'autres) : Le premier c'est que Paris est reconstitué façon début 20ème siècle pendant la moitié du film, et que tout est fait numériquement et que c'est une horreur visuelle. Qui plus est, tout est beau et propre, comme dans une putain de carte postale, et tellement opposé à ce qu'était Paris et la vie en général à cette époque. Impossible d'y croire deux secondes. L'autre idée est encore pire, accrochez-vous : comme le film parle de filiation et de descendant, le malin Klapischou n'a pas trouvé de meilleure idée (je l'imagine pitcher cela à son producteur) que de confier tous les rôles du film à des fils ou des filles de ! Oui, oui, vous lisez bien, c'est vrai ! Comme s'il n'y en avait pas assez dans le cinéma français : vous avez donc à l'affiche la fille de Lindon / Kiberlain (en tête d'affiche et nommée aux César s'il vous plait ) mais aussi la fille de De Turckheim, le fils de Valérie Benguigui, le fils d'Irène Jacob, un petit frère Schneider, la fille Giraudeau, la fille Hazanavicius, le fils Foenkinos, j'en passe et des pas mûres, mais on voit aussi la fille Doillon, etc... Bref, tous ces jeunes gens ne sont pas castés en fonction de leur talent, mais uniquement parce qu'ils sont fils de... puisque c'est le concept. Si ça ne s'appelle pas de la discrimination... Bon et sinon il y a deux trois choses réussies dans le film, mais noyées au milieu d'un océan de miévrerie qui font de La Venue de L'avenir (quel titre pourri issu d'un concours de jeu de mots foireux à 3g à 5 du), une sorte de gros navet boursouflé digne des pires Claude Lelouch.

Quelques Monteiro ensuite :



Film documentaire de 1975 durant lequel Monteiro filme des manifestations d'ouvriers protestant, ils sortent tout juste de dictature, contre l'arrivée de soldats de l'Otan, essentiellement Américains, tentant de leur imposer des normes notamment de commerce qui vont entrainer leur chute. Le génie de Monteiro est de monter ces luttes en parrallèle avec des extraits du Nosferatu de Murnau, comparant l'arrivée des Amércains à la peste des rats qui débarquent avec le Vampire... C'est d'autant plus drôle que Monteiro a très vite ressemblé physiquement à Nosferatu de Murnau et qu'il en jouait.



L'Amour des Trois Grenades (1978)

Dans ce court métrage de fiction Monteiro met pour en avant ses amours pour les contes et les légendes. Mais c'est aussi un film qui travaille beaucoup l'idée de la croyance du spectateur. Après un seul plan montrant nos jeunes héros à cheval, le cinéaste tourne tout en intérieur, avec des dessins, des murs peints, des têtes de chevaux en papier maché plantés sur des bâtons, et cela suffit pour y croire. L'histoire est là, elle existe, au spectateur de jouer son rôle.



Le Riche et le Pauvre (1978)
Monteiro adopte un conte traditionnel sur le vol, la cupidité, et, je cite, les liens entre le monde des vivants et celui des morts. Ce qui est énoncé dans le court qui précède est ici cassé pour projeter ses comédiens dans un univers extérieur existant, et même assez riche.



Les Deux Soldats (1978)

On ne sait pas quelle guerre ils viennent de faire mais nos deux soldats sont en fuite, se cachent et tentent de survivre. Ils se soutiennent l'un l'autre jusqu'au moment où la faim va les séparer. L'un accepte de donner un bout de son pain à l'autre, mais à la condition qu'il puisse lui crever les yeux avec son couteau. Ce dernier accepte, et continuera de errer aveugle, jusqu'à découvrir un arbre dont les feuilles ont des vertus magiques... Super film, complexe et profond, qui aborde des thèmes très riches qu'on retrouvera dans l'oeuvre.



Conserva Acabada (1990)

Monteiro se met en scène avec beaucoup d'humour (une constante de son cinéma) comme producteur verreux qui souhaite produire un film sur Pessoa, mais dont la finalité est de demander aux actrices qui postulent de lui montrer leurs seins. Satire aussi génial qu'acide sur la production cinéma.

[len']

Marty Supreme de Josh Safdie

Le classique mêlé à l’imprévisible, le tout mariné dans une sauce épicée destinée à maintenir constamment en éveil. Pas de doute, même s’il parle du passé, c’est bien un film qui a infusé dans notre présent, ou plus exactement celui qu’on voit sur les réseaux sociaux et à la TV. Là où le frère Benny Safdie assume jusqu’au bout son classicisme pour valoriser son personnage quitte à réaliser un film en demi-teinte, Josh Safdie démarre le sien de la même façon mais choisit en plein milieu – peut-être en se rendant compte que ça ne sera pas suffisant pour épater la galerie – de digresser en s’associant avec un réalisateur indépendant reconnu afin de donner un ton rebelle et un peu plus de crédit à toute cette histoire. Ce n’est pas la première fois qu’il obéit à ce principe et ce n’est pas le réalisateur qui en abuse le plus (quoique la scène de la fessée avec la raquette au nom de l’entreprise (le capitalisme en gros, en très gros) doit rendre jaloux Ostlund et Lanthimos qui n’y avaient pas encore pensé)). Mais ça commence à revenir en boucle cette mécanique qui consiste à stimuler artificiellement des films en maintenant la tension jusqu'au bout et en malmenant ses personnages, surtout quand ledit film ne véhicule au final rien d’autre qu’un discours de bon ton idéal pour participer aux oscars. La musique contribue largement à l’effet d’exaltation, et c’est vrai qu’elle est bien, tellement que je me demande si, comme pour Good Time, le film ne gagne pas à être regardé les yeux fermés. Timothée Chalamet est impeccable, très professionnel, comme toujours, et comme toujours il ne m’inspire rien. Il y a des visages que j’ai aimé voir ou revoir, comme celui de Fran Drescher qui joue la mère, mais il apparaît brièvement, Josh Safdie est déjà passé à autre chose. J’ai bien aimé le côté ping-pong aussi, je crois que ça n’était pas arrivé depuis Forrest Gump qu’on filme aussi bien des parties de ping-pong. À part ça, le personnage de Marty est au moins à l’image du film : il présente bien, il tente d’impressionner beaucoup et il fait semblant par moments de se prendre maladroitement les pieds dans le fil pour à la fois convaincre les juges et le public. Mais il n’est pas si différent du vampire capitaliste qui lui semble opposé, son but est essentiellement de gagner la partie, le reste importe peu.